Luissio A.M. Clavijo

SMOOTH & STRIATED: Hector Zamora's interior landscape.

2011-09-17T08:01:00.000-07:00

Hector Zamora 2010 Essay about the smooth and the striated, San Francisco Art Institute.

Design is always in situ, with a budget that limits the materials or with time limits for the exhibition. That pushes us to assume the striated space, the institutionalized style of life. Hector Zamora knows it well, because of his design studies, but he also has clear that our minds work as landscapes; they have the same kind of movements between the Smooth and the Striated, and he needs to push it farther every time.

Deleuze and Guattari, studied this subject in Thousand Plateaus (1980). The Smooth places, traditionally represented like the sea, steppe, ice and desert, are just temporary occupied by intensities and Events, continuous variations of free action, no visual points of reference, tactile relations among nomads in that place. Amorphous development of form: spectators and pedestrians in our contemporary cities.

On the other hand, the Striated has been created by the sedentary agriculture and its tendency to measure, categorize and solidify the place and situations. We delineate and quantify mathematically every environment to make them comprehensible and easy to grasp. Motivated by anxiety, effects of technological mediation resulting in war machine and conquer (curatorial) impulse.

Every human institution is a striated space. The contemporary artists assuming their roles as tridimensional creatures and creators can’t escape themselves to put in on the world new materials, which work as coordinates, striates, signals to address the human reactions. Technological developments to date mark a limit; iconographic references of the preexistent objects do the same. Handmade objects that we could see with just one gaze from a comfortable point of view (at eye level) do not interact with our entire bodies, they are modernist works. The limits of contemporary art are exposed in the panoramic views of the entire spaces, where humans look just like other particles. There are two ways to reach it: fulfilling the entire space or emptying it (a combination of both is always unavoidable).

Hector Zamora’s Essay about the smooth and the striated has deal with the striated characteristics of the XXI century art scene. Sculptures that assume the entire space, related with the architectural form (the only frontier of the artwork is the institutional place itself), and it includes the slight interactivity of the pedestrians, the artwork works like a resonance in the road, a traffic signal.

Indoor Landscape, Drying racks hanging on nylon thread, all of them parallels towards three neon light tubes, in the corner between the wall and the floor (the corner is traditionally a place that offers information). Light is often associated with salvation, future life, post-apocalyptic redemption. It increases its power of attraction because of the dark walls.

Noise, harmonics in the void space, resonance of electronic devices, slight increasing of the non-music of our contemporary lives where there is always something plugged-in, always absorbing energy.

Visible and invisible at the same time, the nylon thread works as links with our gravity. And the artificial frontier above us, the limits of the art work are the limits of the space itself.

Racks that could be silhouettes of hangers, wardrobes, barbeque racks, places to put something temporary, food, banners, clothes, bicycle racks, racks to store shoes, bottles, sound devices, bodies; bed frames, places where humans sleep, it means we are temporary inhabitants. Racks are frozen places to delay the time while we travel between solar systems.

Finally, parallel objects work like wireless waves, like in Matrix (1999) where the digital world was created by parallel numbers and corridors of weapons coming one after the other in endless rows. Certain variations in the Cartesian position of the racks remind us that humans are neither fixed elements but waves in constant motion.

Humans are like particles. The importance of dethrone the human reference to measure the art works means that there is nothing more important for humans than for the other species. This was an Egoist and selfish point of view to keep us entertained. For example, we could not figurate future beings or inhabitants of other worlds entirely different than us. We put them, bigger, with more extremities, with higher sight, or stronger bodies, with powerful weapons, that comes from the same root that the knife and the spear, that comes from the sharp stones and therefore from our hands. We place the same characteristics on our own gods as humans, mythology, we made our animals talk about the same problems that we have and those are fables, etc. Megalopolis, internet and more reality shows every day, are manifestations of these proliferations of signs.

But our world resists this striation, human measure (categories) attempts, at over-coding them with natural disasters, the greatest power of removing us from our comfort zone. Our mind does it as well, with forgetfulness, the play, and the mistakes in our daily life trajectories. After the pop art, and his ethnography, the proliferation of cultural studies now is so complex that every artwork is a perpetual signal that links us with the whole. Everything is so striated that it looks like smooth for us.

We live in a spherical universe, we live in a perpetual smooth zone were the striated space arrives to us at the end, that is exactly where we started. The striated space of our thoughts are the circling return where there are many particles spread over the universe with so similar appearance and distance that we could not address ourselves towards anywhere. Our imagination has boundaries too, this is the universe itself, or to say its propriety: the universe is the size of our imagination. To become rather than to progress.

Luis Alberto Mejia Clavijo
Art Consultant

Note: Some reinterpretations of these concepts in the field of art, have been intended by the exhibition The Smooth and The Striated, (2 July– 1 August; 2010) in Huize Frankendael and Nieuw Dakota, organized by, University of Amsterdam and the University of Utrecht. The main limitation of this curatorial exercise was the focus on the objects or artworks of every artist, and that means: points of reference, which decrease all the plus value of the uncertain categorization of these signals. Artists’ fair curatorial exercise.

THE ART OF BEING INVISIBLE: LIU BOLIN PHOTOGRAPHY

2011-08-16T20:46:00.000-07:00

Liu Bolin 2008 Hiding in the City No. 69- Graffiti, Photo 118x150cm.

Liu Bolin’s work exposes how complex it is to be invisible in our society, and that means how complex our institutional mechanisms are to make us think that it is normal idea.

He is not exposing himself doing any functional performance, doesn’t sell, buy, or walk to work, neither wait for the bus staring at his watch. If most people do not realize the differences of a street in daily lives it is because we had been creating a compulsive collective behavior of mutual invisibility. To have a job, provide for your family, improve your income, buy a house, buy a vehicle to reach your place to work quickly, to return again with the enough money to let your children provide for their own family, improve their income… hopeless, pay attention to the urban landscape, your taxes do not stretch to make you satisfied: the external urban landscapes never will be as you wish.

If photography was a capture of an instant in the time, well, you have to think how much painting the society had been putting on you, and how much time spent to place you in the roles you assume in your daily life. Body as a place for painting, means, a body as an affected object by exterior influences, which does not fit easily in to modern society, which is trespassed for the advertising and institutional ideologies.

The artist becomes part of the urban landscape, it means, that organic material, could be active behind the rush hours of our days, and it is not passive, but really an active psychological creator of thoughts. Our thoughts are just reflections of the building-spaces. It is the linguistic turn. So, activate your human reaction. Let’s see your humanity emerge from the liquids societies, in which we are. Stop in middle of the movie of Ron Fricke and your relation with the eternal.

A quiet and discrete person, standing still, is among our contemporary living statues besides the store streets. You could see them dressed as robots, farmers, pharaohs, aliens and hulks. There is no movement, there are not in special positions. Although, they evoke different époques, cultures and ideologies, they all help us to realize that we, without exception, are painted by our culture, and it doesn’t matter how complex or expensive, or published in the mass media your look and your life is, you are becoming more invisible every time, creating less sensations in others until you disappear: how many centuries could you last?

Luis Alberto Mejia Clavijo
Art Consultant

FURTHER THE EYES: DANIEL BUREN ALLEGRO VIVACE

2011-04-29T20:13:00.000-07:00

Daniel Buren 'Allegro Vivace' / February 12 – May 22, 2011 / Staatliche Kunsthalle Baden-Baden, Germany.

In the ancient Greece, Aristotle hierarchically organized the senses and let the sight as the most important of them. Of course the argument was on base of human hierarchical utility. Additionally, the tragedy of logic had started and the figures of gods on our minds, as creators, leave us with the idea of the icon that pre-exist in the world before us. But after Leroi Gourham the order of senses is inverted, because space was before objects in it; the most interest contemporary artists don’t deal with icons, but with the space.

Daniel Buren, has clear this idea in his mind, “The first obstacle as a painter that you have is the wall where you put the paintings, is that wall necessary? I am not a painter anymore, in the traditional way, the specific space is crucial to steer what I can do”1. If in the oil on canvas paintings since renaissance to the abstract expressionism, the important was the icon inside the canvas, and then, with the expanded sculpture was a dialog between the object and the space; with the aesthetical minimalism, the focus is the building it self. That’s why our contemporary buildings have these biomorphic shapes, and always demand of the artist their site related projects. The experience of art is now more of the entire bodies reacting; in this case to mirrors and colors.

Mirrors, they use to be the strategy for recognize us and think how we see ourselves. Michael Foucault, begin his book the order of things (1966), analyzing this conscious of Velazquez in Las Meninas (1656): long ago before our costume of see paintings, the art works sees us. Paleontological discoveries reveals that some Oldowan stones are 2,5 million years ago: that means, that they are before our specie emerge. Or better: probably was because of them that our specie emerged, that's why don't try to find something hanged in the walls anymore; try to think how you will make your next own walls.

Luis Alberto Mejia Clavijo

1. France 24/7 International News “Daniel Burren Allegro Vivace“ 02 March 2011.

ENVIRONMENTS: ERNESTO NETO SCULPTURES.

2011-03-17T14:34:00.000-07:00

Helio Oiticica created Tropicalia (1964) fifty years ago, and he brought the most iconic elements from the nature, neighborhoods and houses to the art scene in Brazil. The main idea of the neo-concretism movement was the unity between the art and the persons. Ernesto Neto assumes this idea and he creates contemporary environments that go further cultural studies, because they make feel spectators just a part of an ecosystem, without care the anthropological considerations, more than humans, we are interacting just like any other specie on the world.

Ernesto assumes completely the space and not just a part. He is not interested in show something in particular, there is no a painting or sculpture that we could handle or see at the same time that we are calm down. No, there is nothing with the same height that us, there is a complex ecosystem and we are just a little part inside.

Participants complete the art work; interaction is the most important part of these pieces. If there is a couch or a balloon in the floor, or if there are holes in the fabrics, then some participants could appear there and dialogue with their friends who are in the other hole or couch, meanwhile another spectator, outside the environment, is seeing the new relations between the bodies and the sculpture as a whole.

The cheap materials, fabric, lycra, styrofoam, stockings, stones, are not displayed on the floor, or hanging covering any wall, but they are crossing the space in circles: there are not straight or perpendicular lines in these environments, but they are always like organic material: like the ancient life of corals in the sea or like the bacteria and microscopic animals inside us.

Now, we are feeling inside a rhetorical question: where are we spending our time? And although we get fun playing in these art works, we are also able to think something important behind: the most human consideration that we could take is not the advocacy of the humanity, but the defense every form of life on the world.

Luis Alberto Mejia Clavijo
Art Critic.

DARKNESS: MIROSLAW BALKA CTRL EXPERIENCE

2011-01-16T21:11:00.001-08:00

Miroslaw Balka is exposing his artwork ‘Ctrl’ inside the Reina Sofia museum in Madrid. It is in the -1 floor and there is just one way to reach it, downstairs. White colored walls disappear in the Sabatini building. It was and ancient hospital in which the low rooms were originally designated to psychotic patients, it is like a dungeon. It has ancient brick walls, and a gray cement surface.

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Then, in the first room, there are three geometric sculptures. Brown boxes tight with metal, like armories, are as big as to cover the doors and let the spectator note the relation between them and the arches of the doors. Behind one of the boxes there is the entrance towards another room.
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There is a threshold of darkness in the door to the second room and the noise of electric fans inside. And there is a question for your will: how far can you let yourself go in this place where you cannot see anything? Just few people enjoy standing alone in the darkness. After few minutes, the door’s borders let you see enough to walk carefully. Then start to feel the black color filling the eyes. Darkness is not a space phenomenon but an eye’s affection, a matter of time. Slowly, objects and distance appear front you. We are going through our origins, like every night going to sleep or like when we were in the womb and had not our eyes wide open.

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It is a necessary transition sometimes see the dark side, like in a change of clothes. “Key to viewers’ responses to the uncanny duo is their participation in a rite of passage. In order to return to the mundane world outside the monastery, they must re-negotiate the threshold marked by the wardrobe”1. We are changing our clothes everyday and that’s a kind of control.
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Ctrl. The international well knows key used to make the main instructions in the computer, and the only way to do it if you have not the pleasant mouse. This is how you select, cut, paste, save and close your works: Everything starts with Control. But this is not self control but orthodox control, the violence control from the concentration camps and darkness. Every human in the world belongs to the Adam origin. He was the most successful stone killer, the hunter-gatherer who destroyed the skulls of the other twelve hominids in their way to survive.

The majority of people just stop in the edge of the illuminated space, and then, yet in the (comfortable) light zone they think ‘there is not an art work here’, and then, return to the de-lightful world of the white-neutral walls, where the modern artwork pieces are obviously exposed to the tourists, to be photographed, and sometimes, hidey recorded, because there are watchmen always praying for ‘no photos’. A world where everything is illuminated is a world where everything is controlled.

Luis Alberto Mejia Clavijo
Art critic

1= Lynne Cooke. “Miroslaw Balka Ctrl”. Museo Reina Sofia. Madrid. 26 November 2010 – 25 April 2011.

COLLECTIVE WORK: Ai Weiwei Sunflower's Seeds

2010-11-17T12:14:00.000-08:00

Ai Weiwei – Sunflower’s seeds 2010-11, Turbine Hall, Tate Modern, London.

Since six years ago, Ai Weiwei had been thinking in how to recreate the porcelain, traditional export from china, in a contemporary language. Then, he exposes one hundred million of hand painted porcelain "sunflower’s seeds". This work is clearly a reflection about the collective work.
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In the town of Jingdezhen around 1,600 Chinese people were involved in the production process: it demands at least 30 stages. Almost everybody there knows somebody in the town who was working in the sunflower’s project.
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Deep in the mines, people are digging the stone to take up the porcelain to the surface. They put the stones in a wheelbarrow, and pull it through the railway until reach the sunlight. Then they drop down the stones and demolish it with hammers (some of them work with the natural energy, ,by the force and movement of a water mill. It creates the dust of porcelain. When the dust is distilled in a mixer it is get liquid. Fortunately, all kind of clays gets vitrify in high temperatures and the porcelain fill the patterns of sunflower’s seeds. Hundreds of people inside the shop paint one by one the seeds. The most skillful people takes like three strokes per each side of the seed, the beginners, do it with fourth or five strokes. They weight the seeds in bags and carry them to the kiln. All the seeds are packet in boxes, and travel from Jingdezhen to London, where finally they are dropped and carefully distributed through the floor in the Turbine’s hall like a carpet.

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Ai Weiwei pay to all this persons for their work, and they used to say: we have not much more to do, can you give us more work? Ai Weiwei think: “do you feel that you need to make more, to make another project to meet they needs”. In 2007, he brought 1001 people from china to the Kassel (part of the Fairytale project for the Documenta 12). The participants were divided into five groups that each stayed in Kassel for eight days. In both projects, it is hard to determinate when the art work ends, and also it is impossible to say why the artist position is different from any social commitment.

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Although the Tate Modern has two requirements for the Turbine Hall commissions: the art work must be site related and be interactive. Sunflower seeds, was a sculpture that last open to the public interaction just 48 hours. In that time, every step was like a harvest sound, and the people created castles and rested over the seeds, include, some of them stole seeds. But their steps crash the porcelain and the dust could be dangerous for the long periods of breathing nearby, and then the exhibition was limited to be a contemplative traditional art object (it will stay until May 2th). But, like this, his image is still evident: The seeds are not open, they will never face any sun-leader. Mass population and mass production have the opposite side in the massive compulsive consume-consumption.

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The work of Ai Weiwei is completely contemporary, in the sense that we can not draw a line and say when the art finish. “I can be a failure here and there. But my intention is always to reach people who don’t need to know anything about art to care about their feelings, or to protect those basic values of self-expression and the right to life, dignity and opportunities”1. His art is not a matter of create an object of art, but a question of how to join the majority of people with every project. How many people have changed his life because of you?
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Luis Alberto Mejia Clavijo
Art Critic
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1- The Irish Times - Saturday, February 5, 2011. “They always say there is silence before the storm”.
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Note: Sotheby’s auction a sack with sunflower’s seeds, more or less £ 1 pound each. (120 000 seeds means an auction up to £ 120 000 = finally sold in £349,250).

BACKSIDE: THE PHOTOGRAPHY OF NATALIE BOTHUR

2010-10-16T19:58:00.000-07:00

Natalie Bothur – People series– Ruchsight (04)

Martin Heidegger used to say that things to be thought have not the dignity to be thought yet. But this thought was just a continuation of metaphysics, an illusion from those who divide the soul of the body, the phenomenon of the nomenon, the earth of the paradise. Today we know that just bodies exist, we are kinetic sculptures in movement, the partial reveal objects. The essential is just series of superficial faces over added.

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Natalie Bothur studies the backside, that is not front us, take photographs of backsides. She seems against the traditional definition of Kant, possibly the only one definition we have, “the fundamental aspect about to think is the representation. In the representation it is displayed the perception. The representation it self is re-presentation (put-on-front)”1. In this sense, there is not front, there is not face, just trace.
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The fashion magazines uses to put in the cover expensive faces of models like hook to sell their pages to the companies of beauty and to catch their customers always expecting to stay ‘at day’. But the majority of people over the earth do not (even don’t want) live like this, with this kind of paranoia. We are the backside of the modernity project that continues offering bright faces.

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Baselitz, another German artist, used to paint upside down. It is not that he turns down the paintings to show them to the people, but, this huge strokes, that are better studs, like wanting to erase some traditional painting, they got their sense just looking them upside down. If you turn right the frame you hardly could recognize the objects. In both cases, the photography and the painting, the idea of re-presentation is questioned. There is just partial vision fronts our senses, there are not objects behind, neither spirits; we live within the uncertainty principle. Just remain for us to stay front to front between those who no appear sophist-icatedly facing the camera, no to con-front us, but to go unfolding our misfortunes of our daily life.
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In the astrophysical terms, we live in a universe in which all the things are connected but that have at the same time a boundary: we can not see all the universe, we can see just those objects that are enough near to us and the light that they are sending (actually that sent thousand years ago) reach us. The space is faster than light.

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IT: that do not give us the face, that hide of us, that is in the other side, that let us see just a shadow or a distorted reflection, that is turning corner, that is always running away, that run faster than us, that we could see just a fragment, that we couldn’t understand completely: that is everything that exist. We are just going from a backside to another, inevitably.

Luis Alberto Mejia Clavijo
Crítico de Arte

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1 – HEIDDEGER, Martin. ¿Qué quiere decir pensar? En: Revista Colombiana de psicología. N° 5-6 1997. Universidad nacional de Colombia. Bogotá. Página 17.

CREAR MUNDOS: LA FOTOGRAFÍA DE MARCELA BOLIVAR

2010-09-06T21:29:00.000-07:00

Marcela Bolivar – Mercury and Ashes II - 2010

Todas las creaciones humanas son sólo formas de entretenimiento. Algunas, ubicadas en niveles de sofisticación diferentes, pero capas, una sobre otra, Layers, finalmente. La fotografía es un buen ejemplo. Desde que se inventó ha funcionado como montaje de imagen sobre superficie, es por sí misma un fotomontaje. Tal vez el primero en combinar negativos fue John Rejlander –Cabeza de San Juan Bautista en una bandeja – 1858. Poco después su discípulo, Henry Peach Robinson desarrollaría la técnica llegando a utilizar hasta nueve negativos para producir Otoño en 1863. En su tienda profesional, en enero de 1857, se podía leer un aviso que indicaba: “el tintado de la manos y la cara, duplica el costo del retrato... para los vestidos de las señoras son más adecuados sedas y rasos, terciopelo negro es un tanto desagradable. Blanco y celeste se debe evitar si es posible."

La foto era modificada de acuerdo a lo que se consideraba apropiado para la época. Pero lo que es ‘adecuado’, tiene ahora otro significado en un mundo virtual: no existen parámetros definidos para acogerse a ninguna comunidad, cada uno escoge en qué tiempo y en qué lugar quiere vivir. No existen diferencias sustanciales entre todos, solamente del decorado, así que Marcela Bolivar escoge pertenecer a un mundo que mezcla objetos que son parcialmente revelados, estados de ánimo que nacen de la música Doom y Black que escucha.

La oscuridad musical contemporánea se la inventaron los de Black Sabbath, que siempre se sentaban frente al teatro y un día se les ocurrió la idea de hacer música que fuera como las películas de miedo, desde allí una lista interminable de bandas, cada vez más rápidas, más guturales, más inteligibles, menos del entendimiento y más de la reacción. Lo que escapa a nuestra comprensión ha producido las mitologías y las leyendas, a este mundo pertenecen los estados de ánimo y los sueños. Nacieron los dioses y la incesante pregunta sobre ¿Cómo soportaríamos no ser dioses? Se sucedieron todos los inventos humanos, y ya somos dioses con muletas. Y que bueno que nuestros dioses tengan acceso al fotomontaje, para poder ver, de vez en cuando, una obra artesanal bien elaborada.

Miles de gentes viven cazando y recolectando datos de la web-telaraña- del mundo virtual como repitiendo unos constantes ritos de iniciación. Todas las sugerencias de los amigos funcionan como manuales de exploración, como una imposición disfrazada, como hipervínculos que lo llevan al origen de todas las cosas que son un invento de cualquiera o que son fragmentos parciales de la historia tergiversada por todas las manos, por las miles de experiencias de los cuasi-lenguados. Consecuentemente, en medio de este cruce de mitos y leyendas está bien que existan oráculos:

Pitonisas y diosas para poder controlar todos los elementos. Que se incorporen máscaras épicas, que se investiguen los insectos de todos los museos naturales del mundo, privilégiese los animales que roen la carne en descomposición como una consciencia de la transitoriedad de nuestra forma. Que se estudie la distribución del polvo y del fuego y de todos los elementos esenciales, que se seleccionen las ramas con las formas más rizo-maticas y que se exorcicen los cuerpos en las posiciones más sublimes para que no quede duda de que no pertenecen a esta tierra ni a este tiempo. Muéstrese piel, como en el gesto de poder hacerlo dignamente (recuerden amar a los cuerpos y lo perecedero como dijo Nietzsche), sean los semi-desnudos. Exhíbase la piel cubierta parcialmente. Motívese el subconsciente del espectador hacia la modelo de turno, y que ojalá sea la misma artista para que se puedan perder las gentes al menos por un impulso instintivo en la contemplación de una mujer bonita, fotografiada, editada y públicamente expuesta.

Finalmente, como el arte, y toda creación humana, es un juego de aceptación, utilícese la herramienta del Photoshop que se llama varita mágica para seleccionar, con el gradiente adecuado, la silueta de los objetos, compóngase bien y después unifórmense los colores, para que la iluminación nos transporte al mundo que inventamos, porque, por el instante que dura la creación y la contemplación, ese es nuestro mundo. La palabra persona significa máscara.

Luis Alberto Mejia Clavijo

Para el Proyecto [Sic] (que absuelve los errores de autor).

EL JAZZ ES UN DERECHO A CREER

2010-08-17T20:30:00.000-07:00

El jazz es un escape, es una salida de tiempo y de tono, es una forma de explorar las posibilidades que tiene lo desconocido. Por eso es tan necesario en una ciudad como Cali, que debe ampliar constantemente sus fronteras, dar la bienvenida y exportar lo mejor.

Las creaciones humanas, como las naturales, crecen por un proceso de aceptación. El primer encuentro de jazz se debió a la aparición en la escena caleña del guitarrista norteamericano Barry Wedgle y su convergencia con el saxofonista colombiano Antonio Arnedo en el Teatro Salamandra del Barco Ebrio hacia finales de 1999. Ya para el siguiente año se invitó al maestro Chucho Valdez en un evento especial; en 2003 el festival se expandió a otros espacios de la ciudad y se incorporó el componente pedagógico, que nos llega hasta hoy con esta exposición de arte visual relacionada con las diez ediciones del festival.
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Sería improbable reunir todas las producciones gráficas creadas a partir de las ediciones del festival, se requeriría del tiempo para convocar, investigar y seleccionar. Por esta razón se han invitado a participar los afiches y una selección de fotografías que representan la invitación y la recepción de los conciertos.
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Las fotografías recogen la expresión del jazz, la destreza en el movimiento de los músicos, el nivel de simbiosis que tiene el músico con su instrumento, las estelas de colores que deja una buena improvisación, la fuerza de buscar los sonidos más agudos, la combinación melódica de más difícil ejecución, la alegría de sentirse identificado plenamente con su labor y el viaje que supone esta concentración.

Los afiches, por su parte, señalan un proceso de metamorfosis en la percepción de los músicos, desde siluetas de hombres hasta el mundo surrealista que mezcla nuestros personajes locales y nacionales, dejándonos la idea de contemplar un sueño que no tiene tiempo definido, una orquesta que continúa tocando sin fin en un lugar de imposible acceso, de la cual sólo nos llega un vistazo, como una imagen de nuestro inconsciente colectivo.
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Estas obras son sólo fragmentos entre todas las ideas brillantes que se les han ocurrido a los habitantes de Cali mientras escuchaban una agrupación de jazz. Es la parte del proceso que nos corresponde como espectadores, el preguntarnos ¿Cómo podemos estar a la altura de lo que escuchamos? ¡Que bueno que existe el Jazz! Nos sirve de referencia para mantenernos en constante cambio. Si algo tenemos que aprender de los norteamericanos que lo crearon es su mente amplia y abierta para reconocerse como herederos de todas las culturas en general y no sentirse limitados por el tiempo y el espacio, como en el Jazz. Por eso tienen el derecho de pensar en lo extraterrestre y lo futurista, pero debemos creer que nosotros, nosotros también.

Luis Alberto Mejía Clavijo
Crítico de Arte

http://www.luissioamclavijo.blogspot.com/

APROPIACIÓN DEL TERRITORIO: La fotografía de Nelson Gómez

2010-08-02T10:00:00.000-07:00

Nelson Gómez – Entre las ramas el teleférico de Salta - 2010

Nos sentimos conmovidos con los paisajes precisamente porque somos sólo su prolongación. Por eso nos gusta detenernos en la contemplación de lugares bellos, en el instante de presenciarlos nosotros mismos estamos en estos, nos damos cuenta que siempre hemos estado en medio de un viaje. No existe una real propiedad sobre la tierra, sólo un deseo compulsivo de conquistar fragmentos temporalmente y exhibirlos como si fueran un valor absoluto. Pero la realidad final es que no existen tales ‘pertenencias’, incluso nosotros somos sólo un préstamo de la tierra, una partícula de polvo sobre su piel.

Paul Valery decía que una civilización era tan frágil como un hombre, de la misma manera, un fotógrafo cumple su función de cronista y los espectadores de viajeros temporales. Nelson Gómez nos muestra esta consciencia de ser pasajero. Las fotografías horizontales y verticales, contrastan la idea del paisaje natural con los asentamientos humanos. Estos últimos parecen ante nosotros tan desolados, como si necesitaran la continua presencia de viajeros, para no ser perdidos del todo en el tiempo. Por esto, el título de esta exposición es Suramérica, Mí País, es una invitación a extender la antigua identidad focalizada en ‘Estados-Nación’ por una identidad regional.

Los estados independientes fueron importantes hasta finales del siglo XX, cuando se produjeron las últimas independencias en África, pero actualmente, salvo excepciones, como la declaración unilateral de independencia de Kosovo en el 2008 o nuestro cercano rompimiento de relaciones internacionales con Venezuela, el mundo se mueve hacia un formato de interdependencia regional, tanto económica como de movilidad. En Europa, por ejemplo, existe un territorio amparado por un sólo tipo de visa Schengen, y una sola economía bajo la figura del Euro. En Suramérica desafortunadamente no existe una moneda llamada El Latino pero si tenemos aún una libre movilidad con nuestras cédulas o pasaportes. Pero aunque permanezca esta movilidad continental, es sólo un logro parcial porque desafortunadamente aún no tenemos un mundo de libre movilidad, aún no podemos decir, La tierra, Mí país: Los ciudadanos de la comunidad andina necesitan de una Visa Schengen para poder viajar por Europa, estamos en proceso de construir la confianza transatlántica. Para este objetivo la identidad regional es un primer paso.

Esta exposición consigue realizar una reflexión sobre lo que significa la geografía, es una muestra de apropiación de nuestro continente: El pronombre posesivo funciona aquí como una invitación para vivir Suramérica, para que viajemos a través de ella. Cuando viajamos somos como una espiga, llevamos un cultivo con nosotros y nos abrimos a la expectativa de lo que podremos aportar y cosechar.

Luis Alberto Mejía Clavijo
Crítico de Arte

SIMPLE MOVEMENTS: HARRISON AND WOOD VIDEOS

2010-07-25T17:44:00.000-07:00

Most of art critics had been relating the Harrison and Wood work with burlesque, absurd, dramatic or theatrical issues. They had been linked to Buster Keaton or the Roadrunner, but their reflection is more essential, it is less charged of rationality, it is the study of the human action and reaction.

In the majority of videos, their faces do not reveal any kind of expression, they are not characters, they are just humans. For this reason, their clothes are totally black, to avoid attend decorative details and focus in facts. In the same way, the stage is a neutral white workroom, like a rule of high contrast.

To explore the simple forces, they use two objects in their work: the first, but less evident, the camera that records unidirectional and statically. They “use the limitations of the video camera's viewpoint (a rectangular field of vision that for these artists never moves) as a positive”1. Actual spectators do not feel disturb, or they feel less disturbed every time. In a world, every time charger of new impressions and new creations, there is a compulsive phenomenon of search for new stimulus that recover the initial feeling of surprise. But spectators do no feel disturb, or they feel less disturbed every time: they are more insensible.

The second object they use, it is a mediator object of the fact that happens between them: a table, a couple of chairs, a stair, a slide, etc. These instruments reveal that our human reactions are determinate by a interference, a pet phrase, an artificial noise, an cultural addiction. To use the Nietzsche’s expression: We are painted by the culture.

Contrary to the west idea of reduce natural forces to physical formulas, Wood and Harrison study the gravity on base of facts, without any kind of anecdotic point of view and without any free reflection. Spectators imagine a script with the facts they are observing because they need of entertainment, because it makes them feel more comfortable, like if they could understand what they are watching, like if they could underestimate it whit their logic. But the truth is that Harrison and Wood are exposing just simple movements and they are charged with sensations of an irrational flow that, in the instant of judge it, it add a free noise. For Wood and Harrison there is not meaning.

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Luis Alberto Mejia Clavijo

Art Critic

A BEAUTIFUL DECEIT: THE PHOTOGRAPHY OF IZIMA KAORU

2010-06-28T15:06:00.000-07:00

Izima Kaoru. Koike Eiko wears Gianni Versace, 423. 2004. Cprint with diasec, edition of 5. 180x240cm.

An impossible situation, a fiction, a deceit. Photographer choose a beautiful model and put her like a dead body, although It isn´t dead. There is not blood, there are not wounds. It is impossible that this beautiful woman, without medical antecedents, suffer any attach from anybody or anything. There are people that seems to born to be bless by their bodies until dead.

Place is always empty, without witness, neither criminals, It is a world without people, in extinction, like if everybody were assault regularly by the surprise of see something and stay stopped-frozen in anticipation of disappear. In the same way that happens with scary movies, this logic works in our videogames, we live in virtual worlds now.
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Photos seem to follow the sequence of the only one witness that stays: our selves. From the panoramic point of view, we are numbering the shots, close-ups, like in a criminal file. But this is a useless compulsion, in due course we can not find the clues to find the criminal, we do not have anybody to tell our thoughts, our hypothesis.

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When we get close, in a general plan, we note that model dress a suit by a recognized designer, perfectly present. It gives the impression of to be a new kind of thriller, like Tim Burton from dark movies (Scissorhands) to the highly bright ones (Charlie and the chocolate factory), that, in some times, scare us precisely because color, like if everything were rationally controlled.

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Art was the science that studied beauty, but Modern Art confused everything. We were compelled to remember Nietzsche when he said that loves bodies precisely because they die. So, like another damnation, we can just study the fragility of deceit of this that we believe is beauty.

Luis Alberto Mejia Clavijo
Art Critic

CAOS DILUIDO: LA PINTURA DE ALESSANDRO BOTTO

2010-06-10T16:23:00.000-07:00

Si en el arte contemporáneo se había desdibujado el estilo, si se había privilegiado hablar de los conceptos que levantaban las obras de arte, en los volúmenes diluidos de Alessandro Botto se logra una excelente fusión: crear una reflexión sobre lo que es la estilización.

La pintura que se observa brillante y volumétrica inicia con dibujos caóticos, asociados instintivamente. La pintura parece recoger la forma y la intensión invasiva del arte urbano del grafiti. Un soporte tradicional, el lienzo, es intervenido por unas capas de acrílico que van diluyendo el caos hasta convertirlo en una ficción brillante y estilizada. La obra terminada es la síntesis de un proceso de creación, un líquido en el tiempo.

Salvador Dalí fue tal vez el primero en licuar los relojes, como en una doble consciencia de temporalidad. El líquido fue el primer elemento de reflexión sobre el tiempo: no es posible bañarse dos veces en el mismo río, fue la discusión que reprodujo Heráclito de Éfeso. Este elemento, su maleabilidad, su cualidad de adaptarse a formas orgánicas, que nos parece en la actualidad tan común, es una conquista larga en el tiempo.

A comienzos del siglo pasado se pensaba que el futuro iba a ser mecano morfo. Los Cubistas fueron los promotores de esta nueva forma de ver todas las cosas con forma de máquinas, cuadriculadas, geométricas. Pero, al igual que sucedió con todas las vanguardias, pronto esta forma de ver empezaría sentirse demasiado esquemática. De la misma forma que nos sucede al ver viejas películas sobre el futuro como Stars Wars, percibimos en ellas un retrato de un sueño industrial que no tiene nada que ver con la arquitectura e interiores que observamos hoy en día. Fueron los Futuristas los que adaptaron una movilidad más orgánica. Como lo identifica Rennato Barilli, los edificios del presente apenas están adquiriendo ese moldeamiento orgánico que supone este triunfo de la economía de servicios y las visiones de los pintores futuristas.

De lejos un observador piensa en que la imagen fue realizada rápidamente, como un juego por computador, pero después se da cuenta que es pintura y entonces piensa en que así, a través de un caos diluido, se ha hecho todo el mundo.

Luis Alberto Mejía Clavijo

Crítico de Arte

ALUMBRADO DE CALI 2009 "Al son de la época"

2010-03-03T07:25:00.000-08:00

El alumbrado de la ciudad de Cali es un escenario exitoso, tiene un número de visitas único en la ciudad y se presenta como una experiencia interactiva: Los espectadores tienden a tomarse fotografías con las figuras complementando sus posiciones.

El tamaño de las figuras es adecuado porque se presentan un poco más grandes que las proporciones humanas, siendo un ejemplo físico de posturas al mismo tiempo que no abruman al espectador. Otro buen logro radica en disponer de figuras relacionadas con el inmobiliario de la ciudad, como lograr que la figura de Jotamario Arbeláez esté sentado en una banca, porque habla de un uso práctico de la ciudad. Sin embargo, estas características pueden maximizar su carácter pedagógico, vincularse más a la ciudad y convertirse en constructor de cultura ciudadana.

Las posibilidades de desarrollo del alumbrado radican principalmente en que deben explorarse nuevos lugares de tránsito para los alumbrados, no necesariamente concentrar toda su figuración sobre la carrera primera. Las figuras deben situarse sobre los edificios de la ciudad. La mayoría de las figuras del alumbrado se encuentran instaladas en medio de zonas verdes o lugares por los cuales las personas NO transitan regularmente, lo que crea todo un aislamiento del a experiencia espectador-figura, perdiendo una experiencia más persuasiva: espectador-figura-lugar. Por ejemplo la figura de Jorge Isaacs no debe estar al lado del parque el peñón, sino al lado de su escultura “La maría”, ya que es él quien creó la historia. De esta manera la figura refuerza la historia de un lugar específico. Otro ejemplo radica en los músicos que instalados al lado del río, pierden su posibilidad de señalar lugares como el conservatorio o la retreta. Si lográramos que las figuras emergieran del lugar se lograría que el alumbrado se presentara como un regalo: “ilumina una parte de la ciudad”. La ciudad espera que a partir de las 21 Mega obras, tengamos aún más lugares para alumbrar y de esta manera instaurar la tradición de que el alumbrado emerja de unas construcciones estructurales de la ciudad y señale unas instituciones fortalecidas y en desarrollo.

De esta manera proponemos para el alumbrado del año 2010 el concepto de “Los valores cívicos de la Cali de Hoy”. Unido a las reflexiones anteriores, las figuras invitan a ceder el puesto a las personas que lo necesiten, a hacer la fila, a no arrojar escombros, a limpiar desinteresadamente los alrededores de sus viviendas, a sembrar árboles. Para reforzar la identidad de los caleños de este momento, las figuras deben incluir, los grupos étnicos, instituciones laborales de diversa índole, en colaboración con el Zoológico de Cali, también deberían mostrarse los animales urbanos, incluso las principales mascotas que se encuentran en las casas de la ciudad, en términos generales este alumbrado 2010 será: Un retrato de la ciudad de Cali.

La ciudad de Cali, se ve muy influenciada por una tradición figurativa, que más allá de buscar sus orígenes en los cultos religiosos, pretendemos señalar como un impedimento para observar estructuralmente la ciudad misma, de esta manera vemos la gran acogida que sucede con las instalaciones navideñas, sería muy pretencioso de mi parte, esperar que exista alguna vez una decoración navideña que se haga iluminando, señalando los edificios mismos de la ciudad, pero se podría pensar en que la figuración podría emerger de estos mismos, para que la observación del ciudadano se desplace, una, el icono contemplado con el lugar -edificio- en el cual se emplaza temporalmente.

Luis Alberto Mejia Clavijo

PHOTOS OF PHOTOS: The Apropiacionism of Selina Ou

2009-12-11T10:47:00.000-08:00

Selina Ou - School photograph. Daibutsu, Kotokuin temple, Kamakura 2005.

Selina Ou does not want to take a school’s photo. She wants to show the traditional habit of to take school’s photos. For this reason she capture the photographer and she is enough far to do not let us recognize the faces of kids easily. But Why is important to show this old custom? It is because hide many secrets behind.

First than all, there is coordination of people in the few seconds that spend to take this photo. The majority of photos describe how our life happened, capturing laughing moments, important people, familiar objects used. But school’s photos do not show us how our life happened, but whit who it happened. To get it, the schools photos need to change the current life and put people in a military way. It is an ideal identification mechanism: to show the faces frontally, to identify each one.

For the students it means a second to present them selves as secure people. Secure of the insecure that life is. Secure of the insecure future that will divide them early. All schools have a Prom Logic: join people arbitrarily but the students hold it as a revealed truth that assure them to belong at least to one group if future meetings fail. For this reason the majority of people join hundred of ‘friends’ in lists.

Therefore we always need to belong to something, but the truth is that we belong to everything before. It is precisely for this arbitrary order do not choose: the place where your born, the school where you went, the partners which you share your lifetime, that you are in the world. Like all the photos, accumulated in time, school’s photos also offer the maximum element to the virtual world: your face becomes in a link, is fused, it is waiting for the red circle that separates those who make the world.

Luis Alberto Mejia Clavijo

PHOTOGRAPHY OF THE DISSIDENT: CECILE HARTMANN IN CALI

2009-10-05T16:19:00.000-07:00

Cecile Hartmann -Worker 2008, digital print on paper, 120x90cm (edition of 3)

Orange is use in construction because it is a high contrast color; works as advertence to others, identify temporary elements intruded in our daily life-ways. Cecile has work the topic of orange color in her series about canvas suitcases displaced for public sites, but in this series, social implications goes from to move a space to think about the dissident.

The photo was taken by day, while happens the current hours of work, and shows a worker who walks in an apparently casual direction. No, we realize that distance and direction are impossible, this is not his way, It is no current. In this way the photo is indecipherable, where he goes? It is not a physic description but a mood, a thought.

Landscape and just one person remind us paintings of romanticism, particularly to David Caspar Friedrich. Landscape overflows the person, it is upper, he can not contain it and it is sublime. But now the landscape is urban, show the cultural ambition to progress. It is not unfunded that Burj Dubai stays in the back. It is the highest skyscraper on the world. But we can not see finished buildings, whit their beautiful frontages that reflect light. The buildings are exhibit at distance, uncompleted, or at least whit enough dust like make them dirty. We see the backside of the progress, the temporary and uncompleted part. Everybody knows that Dubai’s paradise is made for thousands workers imported from Pakistan, India and others neighbor countries. They live in very hard conditions. In this case, Cecile closes to their reality from a social point of view but without utopia: we have two faces, and in some moment we are deserters or at least dissidents.

Luis Alberto Mejia Clavijo

PHOTOGRAPHIES WITHOUT CAMERA: GARRY FABIAN MILLER EXPERIENCE

2009-09-30T10:18:00.000-07:00

Garry Fabian Miller- Year two (Batholith) 4 (November 2007) Oil, Water, light, dye destruction print. 16x20 inches.

First that all, we think that Garry is a minimal artist: there is just a yellow cube with red inside and black back. But after we realize that him photos were not taken, it means, they do not come from photos of objects with a camera, but they are configurations of light in a photo paper.

In this way there is not editions, neither negatives; him work is a positive. This experimentation with light takes us to origins of photography. The primary colors over black, that works sociality as caution in the traffic signals, appear like contrast of pure light. Basic forms, circles, squares, straight lines, seem to recreate an evolution process. This is an appropriation of the minimal elements. If Batholith, this subterranean stone, the rock of fire in the middle of the earth, the rock of lava were painted, it has another interpretation that this photographic impression of Garry. It does not work as representation, but as creation, a personal edition. It reminds the speech “Ceci n’est pas une pipe” but in contemporary art it works as affirmation: this is a Batholith.

His work talks about persistence. Little differences between series seem to take the same time to spectator to contemplate them that the time of exposition in which they were created. This thought about time is present in him first series about landscapes too.

Human eye works as a photo paper: more than represent everything front us, we paint in our eyes the reality that we want to see. In the same way works our memories, those things that we illuminated and give exposition time, only that exist while exist.

Luis Alberto Mejia Clavijo.

UNA IMAGEN QUE SE MUEVE: La fotografía de Pablo Tapia

2009-09-02T15:48:00.001-07:00

Pablo Tapia. Sin título. 2003 (80x80cm) 2500usd.

Una presencia femenina se mueve, no es ya una niña. Es solo una idea. Asusta porque está desenfocada, como si no estuviera, como si estuviera en movimiento y no perteneciera ya a este mundo. No tiene ojos donde uno pueda mirarla, saber quién es, de dónde viene. Está detenida en el tiempo, contempla expectante como si recién llegamos de espaldas y ella gira repentinamente. No tiene boca, solo mira. Contraría a una sonrisa hace gesto de agravio, acaba de hacer algo, acaba de realizar una maldad.

Un pasto cualquiera, un parque, el lugar de la lúdica y del juego infantil es ahora oscurecido, filtrado: revelado parcialmente, a pincelazos sin una dirección determinada, como si la imagen no estuviese detrás del líquido revelador, como si el fotógrafo se detuviera de repente y lanzara la foto a un rincón, para que otros se encarguen de lo que sigue después, de la exhibición, de la comercialización.

En esta serie y en las fotografías de Escombros (2008), la playa es… (2008) y Misterio en el basural (2009), Pablo Tapia parece invitar al espectador a detenerse frente a la fotografía, a descubrir sus secretos de producción, a buscar un código, una serie. Pero es un intento frustrado de antemano porque no hay series, no hay repetición, solo un objeto detrás de otro se presenta a la contemplación, uno detrás del otro, el colorido parecido de los objetos en reciclaje, disfuncionales, unas historias sobrepuestas: la foto se mueve, no solo porque es el resultado de muchas fotos, sino porque la mente del espectador la sigue, busca en ella sus técnicas, sus conceptos, sus secretos; allí hay arte contemporáneo.

Luis Alberto Mejía Clavijo.

PRONOMBRE POSESIVO: EUGENIO RABORG

2009-09-02T15:27:00.000-07:00

Eugenio Raborg. OZONO MIO. Madera, latas varias, acrílico, perfumador 40x160x18cm

Los insecticidas, ellos se colocan en posición frontal, militar, a la expectativa de la orden. No están sobre una estantería para que los utilicemos, compremos: forman una línea de frente contra nosotros. Es la ambivalencia presente en la obra, el confort inmediato, rápido, bélico, de sentirse libre de insectos (por ejemplo), en contra de la sutil elevación de la temperatura mundial. El primero es individual, es para mí, es para mi campo de acción; una prolongación de mi dedo, el mismo del gatillo de las armas, del botón para la detonación. El segundo es en cambio colectivo y silencioso [aunque realmente de una manera muy ruidosa], es de todos y es de nadie.

Las palabras ozono y mío crean un vínculo directo que en la mayoría de personas pasa desapercibido. Nadie dice “déjeme destruir a mi insecto y a mi capa de ozono”, no está la conciencia, pero dicha conciencia es una utopía; lo que parece para nosotros tan obvio, tan del sentido común, es realmente lejano y pertenece a pocos. Gombrich ya había identificado en el artículo sobre “el conocimiento general”[i]. Todo conocimiento se inscribe dentro de una tradición, por eso la importancia de mantenerla creando. En el arte contemporáneo no se trata de crear o innovar sino de editar; se es totalmente consciente que lo que se dice ya se ha dicho, si tiene ahora un matiz diferente es porque se necesita repetirlo, se necesita de la estrategia de la memoria.

La estantería, el lugar de la venta no se presenta ahora como útil. Los objetos de exhibición son reciclados, son ya usados, no se pueden vender y solo se les contempla como un desecho, por eso Eugenio los ubica frontalmente, con una nueva función social, un estrato estético. El hecho de ser una galería confronta a Ozono mío con los bodegones en blanco y en cedro, tan decorativos, que se han blanqueado para que se tornen del color de su sala de destino, de cualquier lugar del comensal de turno. La obra que se vende y la que no se vende: ¿Cuál es la importante, cuál merece nuestra atención? Aquella que nos hable sobre nuestras reflexiones personales, que logre una síntesis con nuestro discurso o nos invite a crear uno nuevo. La que se vende y la que no se vende forman una síntesis, un todo: ambas son para mí, son mías, si utilizo el pronombre posesivo es una invitación, lo que sigue entonces es una conjugación.

Luis Alberto Mejía Clavijo.
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[i] GOMBRICH, E.H., “La tradición del conocimiento general”, en Ideales e Idolos, Barcelona, Editorial Gustavo Gili, 1981, pp. 12-70.

EL OJO EN EL ARTE CONTEMPORÁNEO

2009-07-12T11:22:00.001-07:00

Hans Reichel (1892-1958) Composition. Not dated. 17x11cm watercolour on paper.

Anaís Nin compartía con Henry Miller más que un tipo de literatura, una relación amorosa. Quien se enamora observa: A Miller le gustaba pintar acuarelas, decía que pintar era jugar, mientras que escribir era trabajar. Es en el ámbito del juego que se mueve el arte[i]. De los pintores sentía gusto por Hans Reichel, Paul Klee, John Martin, Georges Grosz, March Chagall. Seguramente contemplando alguna de las obras de estos pintores se inspiró Anais para redactar el peregrinaje del ojo. Como el protagonista del artículo es Hans, fue de Hans Reichel que tomé la pintura para acompañar el artículo, una resonancia, una rima.

La narración empieza en el fondo del mar, lleno de objetos naufragados porque reciclar, recolectar las esperanzas perdidas del desarrollo técnico, parece ser la labor fundamental del artista contemporáneo, una transestética de los residuos[ii]. El moho es el símbolo de lo que renace, con otra forma, sobre lo moribundo. El ojo que nos ha llegado de la crítica de arte de Clement Greenberg, “el buen ojo” redentor, asociado a las vanguardias, un desarrollo lineal, purista de la pintura y del arte parece otro aquí a pesar que Anais es contemporánea de Greenberg.

El ojo en Greenberg era sinónimo de buen gusto, el ojo de la estética. El concepto del ojo pertenece a una tradición milenaria casi religiosa. Como lo identifica Thomas McEvilley: “Detrás de este nuevo nombre antiséptico [la facultad del gusto] se esconde el ojo del alma de Platón, y detrás de éste el Ojo-Udja del antiguo reinado egipcio, el ojo de Horus que ve las cosas del cielo. El ojo del alma simplemente ve la cualidad sin contenido como el ojo de Horus ve las cosas del cielo. Pero solo como apuntaba Platón para aquél que haya depurado especialmente esa esfera, la cual en la mayoría de nosotros permanece sucia y oscura. ¿Y cómo se sabe que el Ojo de alguien está limpio? No hay manera de comprobarlo”.[iii]

Con la entrada de los collages, de los residuos, de la trasposición de la destreza al concepto, el ojo se desplazó desde la búsqueda de lo bello: inició un peregrinaje. El ojo es voluntad para acercarse al mundo y al arte, diferente del oído que está más cercano al ordenar y obedecer. El que todo lo ve y no escucha es Dios, pero si esto se presenta en escala humana es solo un impotente, es solo terror. Observar el mundo derrumbarse y no poder hacer nada para contrarrestarlo es un sentimiento humano compartido. La impotencia que termina por cerrarnos los ojos. Por eso el narcótico realmente es solo un juego de aceptación, de creerse el juego. “Calor y color” son los motores del mundo. Calor es movimiento de partículas y color es evolución, es una propiedad exclusiva de los antropoides, si ambos se activan es porque es un círculo vicioso, ¿Qué tan sofisticado puede llegar a ser el juego y cuánto tiempo dura? “Pidió permiso para vestirse”, el mismo ademán del ratón, la misma presión, la de la de la locura, la del pintor. Pintar tachando, pintar despintando, es expresionismo pero no abstracto, de la compulsión de saberse mortal. Henri Miller pintó acuarelas hasta que perdió la visión del ojo derecho en sus últimos años.

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Luis Alberto Mejia Clavijo

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Este artículo es una lectura de: "El peregrinaje del ojo" de Anaïs Nin. En: http://www.pucp.edu.pe/facultad/arte/images/documentos/lecarte_2008_2.pdf

[i] GADAMER, George. La actualidad de lo bello. Barcelona: Paidós, 1991. Gadamer busca construir un puente entre las practicas del arte contemporáneo y las del arte clásico, piensa que este solo se consigue con los fundamentos antropológicos: el arte como juego, símbolo y fiesta.
[ii] DUQUE, Felix. Transestética de los residuos. En: Estudios de filosofía. No. 15-16. Febrero-agosto, 1997. Universidad de Antioquia.
[iii] MCEVILLEY, Thomas. Con el ademán de dirigir nubes. (Traducción de Arturo Montoto) original en: MCEVILLEY, Thomas. Art and Discontent. Paperback. New York. 1993.

TECHNICAL STRUCTURE, INDEX NO ICON: Branislav Kropilak photography

2009-05-19T07:40:00.000-07:00

Branislav Kropilak -billboards_02 (2008) 120x80cm -giclee print edition of 5.

La ciudad es el escenario del comercio. Para el comercio se necesita promocionar: familiarizar los productos o servicios con una marca específica. Para las marcas se impone reducir el objeto vendible a un ícono de fácil recordación, para que sea persistente en el espectador y se imponga frente a los otros en las filas de productos de los supermercados. En un lugar lleno de edificios, se requiere elevar sobre ellos la imagen para lograr establecer el ícono.

El ícono hace parte de toda una serie de producciones estéticas. El pop art norteamericano, sobre todo con Andy Warhol, exploró la seducción del ícono. Los estudios culturales permiten comprender estos fenómenos de afiliación a los medios masivos de producción-consumo. Pero en la contemporaneidad, apelando al minimalismo estético, no importa tanto la señal emitida-recibida, la venta del producto, la imagen sobre el Billboard, sino el soporte técnico de la imagen, el Billboard mismo. Para que exista una imagen se necesita una pantalla y para eso existen los Billboards. Como bien ha analizado Jose Luis Pardo, al igual que la caricatura de Superman, encontrarse por encima de los edificios significa derrotar su ordenamiento jerárquico, marcar su propio espacio. Por eso Branislav Kropilak en sus fotografías no nos muestra el producto, revirtiendo la importancia que tiene el índice sobre el ícono. El ícono mostrado es sólo la punta del Iceberg, como dice el profesor Jairo Montoya.

Primero los aparatos tecnológicos se aplican para objetivos militares: desde los instrumentos para mejorar la efectividad de la caza, hasta aquellos hechos para conquistar la luna y los planetas. Después de su creación, llevada a cabo por los Adanes que nombran el mundo, los rezagos de estos mecanismos se van adaptando a las necesidades de todos los mortales, en producciones masivas.

El arte depende de los mecanismos tecnológicos, pero es el comportamiento estético el que crea los mecanismos tecnológicos. Un buen artista se enfrenta primero al soporte, primero no se pregunta sobre lo que quiere decir, sino con qué quiere decirlo, por eso hace una afirmación sobre su técnica antes que sobre sus temas, que son finalmente un discurso añadido.

Luis Alberto Mejía Clavijo

UNITED VISUAL ARTISTS: Before humans existed

2009-05-04T18:49:00.000-07:00

UVA 2007 09 Triptych, In situ in The Hague, For the todays art Festival.

Light exists, has a weight, a density, a force, a volume. We are developments of light, configurations of the big-bang. Our lives turn around the light. Every ethnic group of humans has a mythology about the sun. If UVA create a Monolith of light, it becomes in a contemporary bonfire. It is not weird that spectators get close, smile, dance and take photos of them, they approach to the lights as if they were doors to another dimension.

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Dark or illuminated, 0 or 1: The number 1 represents affirmation, a “yes” it is the constitutive element of art because it builds a community. It is acceptance game, movement. And what’s the reason? None, It is a pure trick, deceit. Plato was clear. The ancient tale about Zeusis deceiving a bird with his grapes and Parracios in turn deceives Zeusis with a drape, portrays now another sense of the original. The important question is not to know: who a better painter is but to know when art exist and the answer would be, in both moments. In the movement of both deceived species. The reason, the logical explanation, functional or technical, is an addition too much after.

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If philosophy tries to understand contemporary art out of anthropology, as I have been doing until now, UVA experience shows us a previous status of aesthetic behavior: the physiological and biological dispositions. I always thought that free time was an invention of “work” but I was wrong. Long before work and leisure times existed, movement functionally useless lies before us. And it is not a mistake; it is just a “party” that started previously. Before humans existed, insects used to fly around moon glare on water.

Luis Alberto Mejía Clavijo

LA GRAN SUBASTA DE ARTE EN LA TERTULIA

2009-04-24T09:06:00.000-07:00

Hernando Tejada. Prueba

Es jueves 23 de Abril, día de la subasta en la Tertulia. Me visto de saco y corbata. A las siete llego al museo, doy el nombre en la lista de invitados y no aparezco. La hermosa señorita de comunicaciones me hace seguir porque publico en un Blog cada quince días. En la sala, las litografías se exhiben sobre los muros, no alcanzo a acercarme a la primera y ¿Vino blanco o rojo señor? Blanco claro, porque había comido pollo en la tarde. Transito por los cuadros como un buen comerciante, pienso en cuales se pueden valorizar con el tiempo y obtener alguna ganancia. Me fijo en un Oscar Muñoz, un portal y unas cajas de cartón desvaneciéndose. ¿Pastel de pollo? ¡Claro, por qué no! Las sillas plásticas se encuentran de gala; un vestido blanco ceñido al talle y falda de bolero, acompañados de una cinta azul. ¿Más vino señor? Claro ¿y pasa bocas? Bueno, está bien, al fin y al cabo la modernidad tiene que ver con el gusto. El salón se va llenando de señoras de vestido y hombres de camisa, algunos de saco y corbata. Parece que entre todos se conocen, algunos se saludan entre sí incluso de dos besos, uno en cada mejilla, al estilo francés. Los posibles compradores mueven su plaqueta numerada como si fuera un abanico. ¿A quién se le habrá ocurrido colocar una lámpara amarilla de alto consumo en la parte trasera? ¿Querían repetir acaso la instalación de Eliasson Olafur en la Tate Modern?

La presentadora inicia: “Es de conocimiento público la condición complicada en la que se encuentra el museo en este momento”. Me pongo un poco triste, ¿Cuánto tiempo llevo queriendo ver la colección del museo de manera permanente, así como uno puede hacerlo en el Museo del Banco de la República o el Museo de Antioquia, por los que transito como si fuese un ritual edificante? El anunciador: ¿todos tienen listado? No, nadie tiene listado. Entonces ¿Cómo van a seguir la subasta? Se da inicio. Nadie ofrece ni siquiera los precios base de Álvaro Barrios, Ana Mercedes Hoyos, ni David Manzur. No se venden. Pienso, bueno esto no es la subasta de Christies donde se venden millones y tal vez los precios de base pudieron ser un poco más bajos. Para animar la cosa, se ofrece un botero en $7000 dólares. Nadie se muestra como si fuese un comerciante internacional en la sala. No se vende. El público se regocija cuando se exhibe una obra sin base “Una rosa para Cali”: ¡10 000 pesos de oferta! A los pocos segundos y después de una sola contraoferta: “Vendido en 15 000 pesos”. No recuerdo quién era el que iniciaba ofreciendo 10 000 pesos, pero era como un juego de valorización que no podía empezarse más alto porque no había con qué hacerlo. De esta manera, desde 10 000, se vendió una representación de Jovita en 120 000, un Cecilia Delgado, 170 000, un Carlos Salazar, 260 000, Rodolfo Vélez, 320 000. Me iba preocupando cuando apareció “Lo barato sale caro” de Vivian Monsalve: “Dios mío, que no me vallan a valorizar el cuadro porque despotriqué de él hace algunos meses”. Vendido en 340 000. ¡Por favor aplaudamos! Dice la señorita de vestido rojo encargada del protocolo.

Se vendieron sobre los precios base Roda, Oscar Muñoz, Feliza Bursztyn. La subasta más reñida de la noche fue por “Prueba”, una litografía pop de Hernando Tejada. Desde el precio base -800 000-, se vendió en 3’000 000. El anunciador finalizaba diciendo, “suyo, disfrútelo”. Me gustaba cuando decía eso, pero poco después intentó realizar una broma con las obras no vendidas: Unos caballos de bronce, “…al potrero”, un Negret, “…a Popayán”, Cano “…a Medellín”, unos manglares de Tejada, “…a Buenaventura” y la Niña torera de Grau “…al ruedo”. Algunos asistentes se mostraban con pena ajena. No se vendieron ni Dalí, ni Picasso, ni Botero. El protagonista de la noche fue Luis Caballero que vendió tres obras, una de 1’600 000, otra de 2,600 000 y la protagónica Torso, de 3500 dólares.

La velada estaba entre amigos y familiares. No paraban de escucharse los comentarios: “es de Sofi”, “Julián la compró, que la doblen bien”, “¡Maria Paula la compró!”. Se acabó la subasta y todos se abrazaron y se despidieron. Pregunté por la señorita de Comunicaciones para darle las gracias, pero ya se había ido, parece que tenía dolor de cabeza. Habrá que ampliar el circuito del arte en Cali para poder que estas instituciones sobrevivan, no puede seguir siendo solo de familias y amigos, pensé finalmente.

Luis Alberto Mejia Clavijo

COLECCIÓN Y EXHIBICIÓN: LOS MUSEOS Y LAS VISITAS

2009-03-30T20:41:00.000-07:00

Rogelio Polesello. Naranja sobre magenta 1961 óleo/tela.

Ahora que nos visita la comisión del BID presentamos una gran muestra de nuestro repertorio visual en las salas temporales del Museo de Antioquia y el MAMM. La exhibición hace parte de una antigua tradición Romana: mostrar las conquistas traídas de las otras tierras. Es Danto quien cita la novela Golden Bowl (1904) de Henry James que trata de un millonario quién quería construir un gran museo para redimir de la ignorancia a todos los habitantes de su localidad. Como finalmente los que organizan las exposiciones se denominan curadores, entonces nos encontramos bajo la selección de las imágenes que nos salvarán, o al menos saldremos airosos, ‘bien representados’ ante los otros, como se acostumbra decir.

Durante mi tránsito por las exhibiciones me detuve en los detalles ‘abstractos’. Si les fotografié particularmente fue porque después del recorrido la cantidad de imágenes se sobreponen ante los ojos como en un video; las pinturas se abren paso entre nuestro repertorio de imágenes mentales como matices de una gran franja multicolor. Parece que al contemplar todas las figuras juntas se produce finalmente un solo y prolongado cuadro abstracto. Es por eso también que el problema no se reduce a la “representación” sino que se concentra en la producción de sentido.

Jackson Pollock parece que se enojó cuando Marcel Duchamp recortó una obra que le había encargado Peggy Guggenheim por que no cabía en la pared de destino. Pero Duchamp le respondió que si se indignaba por eso, era que no había entendido el significado de su propia obra. No era lo pintado lo importante, sino el nuevo significado que se encontraba en lo pintado lo importante. De esta misma manera las obras no cumplen solo una función ritual individual de creación-contemplación, sino que “podemos pensar que, en lo que a las cumbres del arte se refiere, no somos tanto nosotros quienes ponemos a prueba la obra maestra, como ésta la que nos prueba a nosotros”. El arte solo existe allí donde abre un espacio para el pensamiento no solo como un medio de 'representarnos lo que ya conocemos' y producirnos gusto.

Finalmente como terminamos observando los lomos de los libros, de la misma manera guardamos un detalle, una franja de las obras. Las obras se entrecruzan en la mente, se sobreponen, desde los decorados precolombinos en oro hasta el tejido. Cuando nos interesa una obra de arte, la seguimos, queremos compartirla y entonces pensamos no en qué es lo que está detrás de ella, sino en qué es lo que nos descubre ella de nosotros mismos: ¿Cómo le pagamos a ella?

Luis Alberto Mejía Clavijo

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GOMBRICH, E.H., “Historia del arte y ciencias sociales”, en Ideales e Idolos, Barcelona, Editorial Debate, 1998. Página 164.

CONTEMPORARY SIMETRY: HRAKNKELL SIGURDSSON

2009-03-22T22:44:00.000-07:00

Hraknkell Sigurdsson - untitled f (XU- face mounted) photograph 110x74, 5 2000.

Equilibrio significaba mar en calma en el antiguo griego. Está unido entonces a una idea de estabilidad para el comercio, para la navegación. Es exactamente la idea contraria a los naufragios del romanticismo, momentos de desolación e impotencia frente a la naturaleza. Entre ambos momentos se mueve el ánimo humano, conjurarlos bien en una obra de arte es la síntesis que debe buscar todo artista.

El equilibrio nos resulta tan prefecto que sospechamos de él. Con el periodo renacentista la utilización de la perspectiva creo formatos de vistas muy simétricas como en los casos de Rafael o Leonardo. Las escenas entonces parecen estar congeladas en el tiempo, como si no se pudiese agregar nada al cuadro porque se arruinaría. Esta lógica lleva a la repetición por ejemplo de los iconos bizantinos, inmutables durante siglos. Después del manierismo la simetría estuvo desterrada del arte hasta la época contemporánea. La simetría volvió pero como consciencia de temporalidad. Hraknkell lo tiene muy claro en dos de sus series, las tiendas de campaña y los andamios, ambos símbolos de emplazamientos temporales del hombre.

Su idea está soportada en el clima de la toma, el verano, la ausencia de niebla y el templado de las mismas, de esta manera se enfatiza que la simetría es un ideal momentáneo del hombre, hacia el cual tiende pero del cual sale prontamente. Persiste una tragedia en nosotros de saber que esto que observamos es solo el momento de máximo brillo. Ahí radica el otro concepto que levanta el artista, la selección de aquello que queremos conservar. Rechazamos las fotografías en donde 'quedamos mal', y lo hacemos deliberadamente: El momento de máxima belleza requiere de nosotros la confluencia de los factores comúnmente aceptados, si se obtiene, entonces se dan por hecho todos los pasos previos para llegar al mismo, pero si se toma un momento menos exacto entonces es como si nunca se hubiese alcanzado lo otro. Frente a un mundo de desplazamientos, cada objeto que conservamos debe contener en sí mismo la mayor cantidad del proceso asociado al mismo: el vacío del interior de una tienda de campaña contiene, por su carácter antropomorfo, todos los movimientos posibles del hombre que lo habita, mientras lo habita, mientras se desinfla.

.Luis Alberto Mejía Clavijo.

EVOLUTION: THE ANIMALS OF THEO JANSEN

2009-02-17T18:15:00.000-08:00

Theo Jansen - Animaris Ventosa.

Los insectos fueron creados primero que los cordados. El mismo camino que el trazo antes que el pensamiento; el arte y la ingenieria van de la mano, es decir, constituyen el trabajo del hombre.

La lógica del movimiento de las especies inferiores primero, los gusanos e insectos, está presente en cualquier parte del cuerpo-escultura. No existe un cerebro controlador, solo se mueven por reacción en un sistema interdependiente con el ambiente. Desplazarse, eso es lo que finalmente realizamos. La tecnología hizo necesario una especie de músculo que funciona con tarros de líquido como en un sistema binario para movilizar los grandes animales. El cerebro es el siguiente paso, manifiesta el autor, quien da nombres científicos a sus obras.

Si bien la escultura cinética se remonta a las primeras instalaciones y tuvo gran importancia con los aportes venezolanos, el enfoque desarrollado por Theo Jansen provee un concepto diferente: un escultor cinético que utiliza tubos para la electricidad como esqueleto, crea una naturaleza. Los animales se desplazan por la playa, evalua sus desempeños, agrega funciones, diversifica las especies. La lógica en su proceso de producción encierra igual y más valor que las obras mismas.

Para el desarrollo de su trabajo las posibilidades de Theo Jansen radican en la lógica del movimiento independiente, en los materiales y en el tamaño. Variando estos elementos su trabajo rescata el caracter antropológico en el sentido en que su ámbito de aplicación no se limita a una reproducción de la realidad sino que pretende el "vertimiento de los valores estéticos desde la cumbre figurativa hacia los fondos fisiológicos y funcionales"1. Con seguridad en estos seis primeros meses del año en su visita a Japón y Corea, está trabajando en el cerebro. Los orientales se lo llevaron porque suponen un principio fundamental detrás de su trabajo, seguramente encierra la reflección sobre la evolución, no solo de la naturaleza, sino del género humano.

Luis Alberto Mejia Clavijo

1: LEROI-GOURHAN, André. El gesto y la palabra. Universidad Central. Caracas. 1971. Página 268.

A MATTER OF LIGHT: WILLIAM OLDACRE PHOTOGRAPHY

2009-02-12T18:51:00.000-08:00

William Oldacre - Metro Motion Series 2002 - Facing west.
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In some moment we have tried to take a picture in a motion car. Lights slide in the photograph paper like particles with own life. But if we also assure that the origin place where we take the picture turns in another unknown place, in this moment the photography do not represent anything, just present it self as a matter of light. The previous photos was look for this kind of abstraction that eliminates the perspective, the anecdotic part, and let us just the concept.
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This photography has a color treatment of post production. As Nicolas Bourriaud reminds us, if all the photos on the world, with the most powerful lens, were taken, therefore the contemporary artist must edit those photos as in a postproduction process, in this moment set the art. William Oldacre takes some part, edits, copy and paste and changes some colors of the photography. If we try to find in the photo figures we start to guess thunders, fog, dawn and sunset and quickly discover that all those elements are lights effects more than objects. Warm and cold colors at the same time could confused us and carry us to a desert or night. But not, weather show us the way to understand: the temperature is really a matter of movement. The interchange between speed particles, slow and quick, makes the cold or warm sensation in the body.
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A similar effect occurs when the astronomies look the space. Some Doppler effect happen with the long term of exposition to the stars and galaxies in the telescopes: the borders of the objects are red, because they are putting farther away. But if we get close to an object faster that the sound speed, we start to see the blue borders closing front us, reducing our field of vision. In the picture all the lights must present the same movement, but not, they are softly different quality that reminds us also the Uncertainty Principle. It tells us that is impossible measure at the same time and in an exactly manner the position and the lineal moment (the mass and his lineal speed; the vector quantity -magnitude and direction) of a particle, for example an electron. If it happens and we can not adjust the object to our judge’s faculty, the object became in sublime, and invites us to configure our identity. Facing west is facing us while runs away. If the image is like thought and always show us his back side, how will us answer the gaze?
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Luis Alberto Mejia Clavijo

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Sent to: Tinku Gallery, Toronto, Canada.

A CULTURAL CAPTION, A PORTRAIT FROM NONTSIKELELO VELEKO

2009-01-17T05:28:00.001-08:00

NONTSIKELELO VELEKO: Ayanda Makhuzeni (portrait). Gugulethu, Cape Town, 2007

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In this photography all the elements are mixed in a strong way of contrast. But each element in the portrait portrays a whole cultural setting.

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We can see a teenager- In spanish, the word “adolescente” is very close to “those who suffer, to those who doubt”. Exactly in the middle of life he stays, after it, life passes by faster. It is like in the middle of the day, as Friedrich Nietzsche recalls: Zarathustra sat down to rest at midday, and his head was full of doubts. Zarathustra goes on while the sun barely flew past over his head- But most of our teenagers hardly ever get out of this moment. Lives for those who cannot resolve their identity crisis, continue unstable in adult’s life. A container as stays in Ayanda´s background, in fact, is a symbol of also industrial work, massive production and distribution approaching him inevitable.

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Fragility is reflected in the change from childhood to adult periods, it is clear in the strange position and the little stone where he is and also in his cap. The clothes as in the New York public imaginary, are trying to escape, to show him self as other, foreign, cool, self determinate. Ayanda is not erect, he is not in the high class position to a portrait, neither he is in the phyla-genetic stage of Homo erectus. He stays far, far in this long lasting past. In the middle of his non equilibrium, he shows himself with his physical demonstrations and his secure face as someone strong but we can also see his fragility. Acording to Eric Erikson teenagers stay in a moment of identity and confusion in which they are constantly facing situations of loyalty anf fidelity, but at the same time these can turn in others like Fanatism and hatred. Young men are always in search of identiy elsewhere, and having the risk of getting lost.

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The photo was taken in an important place: Gugulethu is a town created during Apparteid times 15 kms away from Cape town, just like other districts such as Nyanga and Langa, because black people could not live in Cape Town. A law of exclusion divided the people. In this place many people speak Xhosa language, moreover Gugulethu means “Xhosa for our pride”. In contemporary art the image is upon the language, it creates a universal caption that can not be analyze through the iconology, but by cultural studies in the context. Good artists bring up a whole environment, a society.

Luis Alberto Mejia Clavijo

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NONTSIKELELO VELEKO Born 19 August 1977 in Bodibe, North West Province.Currently living and working in Johannesburg.

Article sent to: Goodman Gallery. Johannesburg, South Africa.

ANA MERCEDES HOYOS: LA PINTURA, EL BRONCE Y LOS ESTUDIOS CULTURALES

2009-01-13T07:35:00.000-08:00

La procesión en la fiesta de San Basilio 2007. Relieve bronce patinado Ed. 7. 194x74x10 cm.
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Es conocido el trabajo de la artista que fue previo a la publicación de Villegas Editores en el año 2001. Ana Mercedes Hoyos hace una investigación ‘pop’ con atención a la geometría y luz en las “naturalezas muertas” o “bodegones” de las palenqueras vendedoras de fruta del Caribe colombiano. Existe un especial énfasis en la especie de Cubismo que dan los cortes de la fruta y el “equilibrio y contraste cromático” con el que las palenqueras las organizan para exhibirlas.

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Sin embargo un salto importante da la artista al ir más allá del interés representativo-pictórico y acercarse a San Basilio de Palenque, “El primer pueblo libre de América”, a realizar un estudio cultural. El resultado lo presenta magistralmente en su puesta en escena en la Galería El Museo, de Bogotá. Existe en este trabajo una reflexión adicional respecto al color y el material de bronce utilizado. La “Idoneidad pictórica” cambia aquí de sentido y no pueden utilizarse los parámetros descritos en el 2001.

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El aporte cultural de esta instalación de Hoyos radica en la crítica a la reproducción y comercialización de las tradiciones culturales que realiza particularmente del mundo del arte. Las pinturas de su exposición personal “Fiesta”, son un estudio de su propia producción de arte. Carga la técnica y los materiales de significado, cambiandolo no solo respecto a su trabajo anterior sino entre las obras mismas.

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Por eso cuando se propone dejar el bronce limpio, como el material noble modernista que es, logra crear una ambivalencia cultural frente a la representación. En su obra "Bara de premio", que es exclusivamente de bronce, los niños trepando en la bara se exhiben sin color adicional alguno, como una sola piel. El sentido de lo moderno la artista lo apropia como lo natural biológico, tropical y de un nivel cultural fraterno, primario, de pertenencia a una comunidad, inmerso en ella.

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La obra “la procesión en la fiesta de San Basilio” sirve como puente para la observación cultural: Es bronce sobre el cual se pintan los vestidos y se deja la piel sin pintar. Sin embargo el color de los vestidos no se propone imitar el original, sino solamente insinuarlo como haciéndole perder un grado de intensidad. Es importante recordar que los vestidos son puestos en las épocas de santos y ocasiones especiales. No perteneces a la vida cotidiana en la cual prevalecen en las niñas las pantalonetas apretadas y las blusas pequeñas. Así de esta forma el vestido es una inmersión occidental. Su trabajo del “colorido” no se concentra en representar la vitalidad, fuerza y expresión del pueblo palenquero que habíamos visto en sus trabajos anteriores, por el contrario al utilizar colores industriales, realiza una visión desde el “exotismo” occidental de-colorando un grado lo que observamos. Bien es sabido que los seres vivos tienen una percepción diferente de la luz y su refracción según su posición en los paralelos, particularmente dentro o fuera del trópico.

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Pero Hoyos no se queda aquí en esta “perdida ontológica” que denominaría Platón, sino que en las pinturas posteriores utiliza solo un detalle del vestido. Y no lo pinta una vez, sino en una ‘serie’ de veces sometidas a experimentación cromática, a cambios como en un proceso de industrialización. Da un paso más al estudiar la “liberación” de la perspectiva del contexto. Probablemente esto es lo que terminen observando los ‘comensales’ extranjeros sobre todo un trabajo cultural extenso. En este resultado no existe aire, ni temperatura inducida, ni olor, es la descontextualización de la representación. En este sentido hace un cambio de la representación hacia la producción. Observar estos detalles demuestra una clara conciencia de un proceso de simplificación que ocurre tanto en lugar como en tiempo, frente a nuestras experiencias personales o sociales, por el uso inevitable del mediador cultural del objeto, en este caso la obra de arte. Frente a esta imposibilidad biológica es natural responder con una especie de compulsión en “la época de la reproductibilidad técnica” tanto para producir como para comprar arte.
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Luis Alberto Mejia Clavijo

DAVID CLAERBOUT: SECTIONS OF A HAPPY MOMENT

2008-12-24T08:47:00.001-08:00

1969 David Claerbout - Algiers's Sections of A Happy Moment - 2008 (Detail)[i]
[i] ¡URGENTE! Salón Nacional de Artistas, Cali, Colombia. 2007-2008.

Si pudiéramos congelar un momento de tranquilidad en nuestras vidas, un momento de felicidad, entonces escogeríamos sobre nuestros rostros las aves que parecen detenidas en el viento, un día con sol en el cual nada extraordinario ocurriera: no sería en una fiesta, no en los homenajes o en los momentos amatorios por que se negaría la cotidianidad y es precisamente porque no pasa nada, porque todo está por pasar, que realmente congelamos toda la vida.
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Persiste en nosotros cierta idea según la cual congelar el tiempo y el espacio se logra a través de la fotografía. Pero resulta que la forma en la que observamos una fotografía está sometida también al tiempo, en ese sentido realizamos una doble negación: nos congelamos no haciendo sino contemplando el tiempo congelado. Por eso es que no podemos quedarnos mirando una fotografía toda la vida, sino que existen otras muchas y así nosotros mismos nos convertimos en otras imágenes. Somos más cercanos a un video. el espectador construye el video, al fin de cuentas el video no es otra cosa que una sucesión de fotografías. en este caso de exposición intencionalmente alargada, detenidas en el tiempo.

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Como lo identifica Christophe Gallois, David Claerbout influenciado por la fenomenología, “ha desarrollado un trabajo que cambia nuestra percepción habitual, evaluando los limites de todas las formas de reproducción en su esfuerzo por trasportar la realidad”. En este caso nos hace tomar conciencia de la imposibilidad de representar la realidad, tal como lo manifiesta Deleuze, el pensamiento no funciona como representación sino como producción.

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El lugar en el que se desarrolla la escena es un barrio normal, de familias trabajadoras. No hay remodelaciones recientes, no hay estucado. Sobre las fachadas se alcanzan a ver las perforaciones artificiales, culturales, tal vez de armas, de un país del sur, tocado por la guerra. Las fotografías digitales crean mini-narrativas, por tomas, así los personajes enfocados en determinado plano presentan una situación particular que es diferente si ellos mismos son tomados desde otro ángulo y otro plano. Algunos juegan con un balón, otros en cambio solo contemplan la luz y la sombra que son los protagonistas. Es el sol el que para nosotros se mueve, así se producen los días y las noches, pero si no se mueve, si se detiene, no existe tiempo. El espacio urbano abierto es importante porque la luz del sol se supone que cambia con el tiempo, es su sustancia, el tiempo es realmente movimiento. Pero si la luz está detenida, el efecto de trascurso se logra moviendo el ángulo de refracción de la misma.

Un portarretratos. Una forma de conservar la imagen. Ya no pertenece a una dirección, ya no es una familia quién paga para verse reflejada en ella feliz. Nadie ve las cámaras, aunque estas se encuentren en todos lados, aunque nadie les sonríe, transforma su cara para ellas, tal como lo hacían los presos para que no los identificaran. Pasan inadvertidas, tal vez esta clase de detención panóptica sea la mirada de Dios, como si para él, casa segundo aquí en la tierra fueran mil siglos. De qué cantidad de cosas no nos percataríamos si tuviéramos el tiempo de mirarlas detenidamente. Es la misma experiencia de una persona obsesiva, como una forma de control, ‘como explorada por cámaras de vigilancia’, para saberlo todo, todo el tiempo.

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La experimentación de las imágenes, que parten de una contemplación que busca una explicación anecdótica, se convierte posteriormente en la incertidumbre de no saber lo que se ve, se convierte, en pensamiento: Las narrativas que uno crea al comienzo desaparecen y dejan la habitación con una sucesión objetiva interminable. La ambivalencia de lo inexplicable triunfa sobre la anécdota. Como David mismo lo reconoce: “Lo que me interesa es lo que está debajo de los diálogos y discursos, en el interior de las imágenes. Trato de crear la condición en las cual, sin importar si lo que se presenta es narración o no, no hay conclusiones, ni certidumbres”[i], pertenece a una generación que se niega a la idea del arte como objeto, “es por lo cual trabajo con el video digital, un medio históricamente asociado con la cultura de masas” que se disuelve y consume, que es como líquida. Las personas productoras-consumidoras no tienen tiempo de observar detenidamente las cientos de fotografías que se acumulan de sus fiestas y solo las ojean rápidamente y rápidamente escriben un comentario breve y fortuito mientras acumulan más en su entretenimiento. Pero otra cosa sucedería si al menos una sola imagen se detuviera en el tiempo, una sola imagen, una sola, una.

Luis Alberto Mejia Clavijo

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[i] * Marie Murraciole, ‘Le Bruit des images. Conversation avec David Claerbout’, in Les Cahiers du Musée national d’art moderne, Paris, n°94, winter 2005-2006

MONIKA SOSNOWSKA: TIRED MODERNIST MIND

2008-12-19T15:55:00.000-08:00

Monika Sosnowska The Tired Room - 2005. Installation series "A View from Outside - Continued", the Sigmund Freud Privatstiftung.

Una mente cansada proyecta sobre el mundo su desasosiego. Las soluciones geométricas que tiene la habitación, son solo una repuesta a una misma casa de papel arrugada vista desde adentro, es la plasticidad que se mantiene lo que interesa y no el original: es la idea de ‘lo que nos extraña’ lo que permanece. Por eso tenemos que decir que “si la evolución de la cultura tiene tan transcendentes analogías con la del individuo, y si emplea los mismos recursos que ésta, ¿acaso no estará justificado el diagnostico de que muchas culturas –o épocas culturales y quizá aún la humanidad entera- se habrían tornado bajo la presión de las ambiciones culturales?”[1]. El trabajo de Monika avanza hacia la creación de un mundo arquitectónicamente más coherente con los lados reprimidos de la psique humana por las corrientes filosóficas pragmáticas.

En la bienal de Venecia una gran estructura de metal pintada de negro se tomó un pabellón. Realmente una estructura sufría una compresión hacia un estilo de vida moderno: se encuentra reprimida en un lugar cúbico, como si dos edificios se rehusaran a dialogar y alguno tuviese que rechazar, destruir, sobreponerse al otro para subsistir. La estructura: lo esencial es forzado a cambiar y no al contrario. Si caminas a través de la estructura deformada, entonces piensas en la ambivalencia: ¿es lo destruido suficientemente fuerte para soportarse sobre nosotros? Es la parte del edificio que sobrevive al desastre que nos recuerda que “el suelo sobre el que estamos puede derribarse en cualquier momento”[2]. Es, como en el UFO Cinema en Dresden, una identificación con las víctimas, tal como sucede con los edificios destrozados del 9-11: persisten como símbolo: lo trágico se desarrolla ante nosotros diariamente, no podemos evitarlo, tal vez nosotros mismos eso seamos: el arte crea esa comunión.

Lo mismo sucede con el “Corredor”: la imagen del lugar de tránsito que nos conduce hacia otro sitio, Monika la transforma en una opción arquitectónicamente imposible que nos desplaza desde un pasillo normal hasta un ambiente de zozobra, de la incertidumbre de no conducirse hacia ningún lado sino hacia otro pasillo, como permanecer en un laberinto. Las puertas crean la idea de lo oculto, como lo envuelto en papel regalo. El desplazamiento del espectador lo convierte en experimentador: el tiempo del recorrido influye en la angustia, en su percepción.
“Tired room”, es un daño creado que no es posible en la vida real. Un daño intencionalmente creado representa el trasfondo traumático de la racionalidad positivista, pragmática. Por eso en vez de crear un agujero, como en otros proyectos, crea el daño geométricamente es decir sobrecargando la habitación, pasando el umbral, excediéndose de racionalidad. Por eso menos que un edificio, Monika se propone crear una “atmósfera” de percepciones. Que la puerta no se pueda cerrar, ni abrirse completamente, muro y techo inclinados, abultamientos en el suelo. “¿está algo presionando la habitación desde arriba?… la habitación parece empequeñecerse, los muros parecen cerrarse más y más”[3]. Así que la mente completa lo que observa: es un daño cerebral.

Instalaciones concebidas para un evento, experiencia física e imaginación. Es una apropiación del constructivismo y el arte mínimal que habla específicamente estimulación de ‘territorios’ mentales en el experimentador–espectador. Percibirá el espacio a través del tiempo asociando secuencias de ideas. Reconocernos como una especie de neuróticos es crear sobre las estructuras sus burocracias y fachadas: revelar su carácter opresor, confuso, innecesario.

Luis Alberto Mejia Clavijo

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Galería Kurimanzutto, México. gaby@kurimanzutto.com. Monika Sosnowska nació en Ryki (Polonia) en el año 1972 y en la actualidad vive y trabaja en Varsovia.

[1] Freud, Sigmud. El malestar en la cultura (1930). Morgan Editores. Bogotá. 1999.
[2] October 1 4th, 2007 - Posted in Reviews: Taro Hattori October 14, 2007.
[3] Interview with the artist; del catálogo de la exposición: en Sigmund Freud Privatstiftung.

LU HAO: ANIMALS INTO TRADITIONAL CHINESE BUILDINGS

2008-12-12T18:28:00.000-08:00

Lu Hao. Birdcage - Plexiglas, 90X60X55cm. 1999.

The cage is a strange symbol, carries something important inside but at the same time this cannot survive or might destroyed by himself if is out. In this way the cage preserves and exhibits. But if the preserved encaged us, we should be closer to say as Regis Debray that we live for the cultural objects, that passed by us like mechanics of the memory, we are collective memory.

Traditional Chinese culture is well represented by the architecture. The conventional elements are present: symmetry and horizontality. But the relation with the context, the central plaza and the rooms-walls rounding it need to be completed by our minds. The public and private elements get confuse. If you commonly see the birds fly in the public plazas, here you see them caged into the building. It was a secret and “prohibited” space as the ninth dragon for the imperator or just reserves the yellow roof for the imperial buildings.

Keep show, keep exhibit is well get with the material; the entire traditional world was discovered and passing by through two moments, the Cultural Revolution and the opening to the world recently. The material Plexiglas, changes the traditional conservative wood identity, as in the contemporary art change the handicraft or exclusive noble materials to the postmodern world, where every sculpture could be made industrial, massive produced and sold. This material is common in the students of architecture, but if it doesn’t be support to a concept behind, as in it occasion, it was terrible scholar work.

Many kinds of animals: birds, insects and fishes use LU HAO for to “live in” these buildings. This fusion of animals reminds us the dragon, the symbol the union at least over the consequences of an open economy must be front with a collective and ancient cooperation.

One of the most important characteristics of this artist is the understanding of each medium that he uses. This Plexiglas that we see in the photo, have an expressionist painting in oil on canvas, sometimes letting flows the colors out of the border lines of the building, sometimes underline whit deep white color the borders. And if you see the drawings always carry some atmosphere that tell us that they are not a way to create art but goal in them selves.

Luis Alberto Mejia Clavijo

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Enviado a la galeria Art Now, Beijing, China: www.artnow.cn

LAMYA GARGASH - SALIM matt photo paper 2005

2008-12-09T07:39:00.000-08:00

Have you ask how an Arabian artist can work attending his tradition and having an international and excellent level? Surely you must watch the Lamya Gargash work.
As her own consider of “Veils”, she changes the stereotype media meanings into a personal charged one.

The world appears front our eyes into different colors. But if the religion, the state, the cultural traditions from our country just teaches us to watch the others in two colors, we carry with us this strange world and projected it over all the things. Many people, in a caravan walking with the head looking down, under then, sand, a desert that don´t stops. There is no grow natural alive elements in desert, so the humans must create their own place and try to become it into a paradise.

The women are in the height of the Salim’s head, and have exactly the same size; as some thoughts that never leave us. It is a delicate kind of wave makes the sand, makes the thoughts of Salim. In these sequence we can see the fused elements presents past Lamya Works like in Confused (2005), where a same face turns desperate, not looking, or looking for nothing, looking inside; the before digital photos, where anonymous veiled women seams to a past time as frozen and the self portrait technical resolve as a way of introduce her self.

A frame-photo, front the face, that hides-show the person behind. The word person of course means mask from his Etruscan origin, has a neutral expression of someone who is thinking. But the black veil now is changed to a colored pink. The colors are also important because if we remember “the country of the civilization” in the Zarathustra of Friedrich Nietzsche, after to fly in the future, he returns to the present, and laughs: “with the face and limbs colored of thousand ways (…) truly, you can not use better mask that your own face, actual men. Who could recognize you?” we don’t know certainly if it is good or bad, may be these discussion is not important, not as the changes that happens front of us, if they helps us to find ourselves.

A bag, a yellow bag, is not a traditional a warm familiar or touristic travel one, this is a bag from a technical worker or a emergency bag of someone how gets out his house improvising, suddenly, collecting his staff as liquid elements. The sun gives the back to Salim. His own shadow is what he is looking right now, the world of the perfect light and the world of the perpetual illumination is behind, is not for him. But, what is for him so? A shadow over the desert doesn’t give us an answer. Doubt, his footprint is so deep, Salim is closely to stops. He is walking not for to arrive anywhere, but to find him self, as the ancient pilgrims in Greece, where the sanctuaries are so far and high that the confused people arrives there so late, and arrives sane, curates. No one can comes or to go from and to the desert, so it is always a moment in our lives. As Manuel Delgado Says: we belong really to a shifting societies, just passing by, may be our one goal is to describe our ordinary world, nothing else.

Luis Alberto Mejia Clavijo

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Sent to the Third Line Gallery, Dubai, United Arab Emirates: http://www.thethirdline.com

EDIFICIO ADMINISTRATIVO DE BANCOLOMBIA

2008-12-01T21:14:00.000-08:00

Y frente al nuevo edificio que disfruta el sol:

Más que rescatar la concepción de la edificación de Interior Architects (USA), tengo que darle importancia al diseño arquitectónico que estuvo a cargo del consorcio Convel-AIA. Podemos identificar su influencia en una imagen citadina con sus edificios de la Cámara de Comercio de Bogotá (1999) y el edificio parque Suramericana en Medellín (1997) en los cuales se identifican los elementos característicos como la independencia y la traslucidez. La energía solar se aprovecha al máximo y se ahorra energía eléctrica. En este caso la traslucidez es lograda ya no con líneas continuas como las ventanas de la Villa Savoye de Le Corbusier, sino con signos digitales, en desplazamiento. Códigos cifrados que generalmente se ocultan detrás de todo lo que vemos en el computador. Crean ventanas, con luz natural y vista al exterior para todos, no solamente para unos pocos privilegiados.

El constructor ha rendido un homenaje al sitio en que se encuentra: el edificio son dos vagones gigantes del metro. En sus extremos las líneas diagonales que significan dinamismo, nos manifiesta que es un metro-edificio en movimiento. Al subvertir el sentido vertical-horizontal, se acerca al espíritu expansivo del arte propiamente americano, en el cual se tiene en el terreno de emplazamiento. Nosotros estamos acostumbrados a observar un edificio desarrollarse hacia arriba, adhiriendo notas a la armonía, en el sentido musical, un sentido que no deja de ser totémico, fálico si se quiere. En los grandes edificios modernos la altura es símbolo de superioridad y estatus. Pero si este edificio se desarrolla hacia los lados, lo que demuestra que esta ciudad no solo no está aún tan limitada, como en las grandes ciudades donde ya no hay terreno para construir sino rascacielos. Por eso las grandes compañías se mudan hacia las afueras o los poblados. El rascacielos crea mucha más cantidad de congestiones para el desplazamiento de los usuarios. Está bien que a algunos aficionados lo han llamado el "rascasuelos". Lo que no saben es que la altura total de 54 metros es una respuesta a la aerocivil debido a que el edificio se encuentra en el cono de aproximación al aeropuerto.

Debemos decir sin embargo que la forma del edificio aunque parezca simétrica es irregular. El terreno que se ve tan plano, tiene un desnivel que hace que la torre norte tenga un piso más de estacionamientos (4) que la torre sur (3). “La fachada norte es mas angosta debido a que el lote fue el que dictó la forma misma del edificio, las vías y sus retiros dando como resultado un edificio con forma de cuña”[1]. Aunque con un solo un grado de desviación a los 430 metros de longitud del edificio se hace evidente la diferencia entre fachadas. En este caso no se puede decir como en los templos griegos que se pueda prever el desarrollo del edificio con un solo vistazo, esto lo aleja de las soluciones modernas.

Como negociación con el territorio el proyecto contempla que entre los dos edificios se ubique el parque puerta al rio, es un espacio público donde se sembrarán árboles de gran tamaño para que cuente con sombra, posibilidad de transito urbano y locales comerciales de uso público. El parque de los árboles en forma de sombrilla (las termimnalias) que se ubica al sur crea un espacio de estancia tranquila y en el sector norte del edificio se contará con el parque de las palmas, de varias especies y cobertura vegetales que retoma al menos parcialmente la idea de devolverle a la naturaleza lo tomado.

$350 mil millones: modernidad, austeridad y eficiencia.

Luis Alberto Mejía Clavijo

[1] Colaboración del arquitecto William Castaño Velásquez .

THE BIRDS OF BABIS VENETOPOULOS

2008-11-30T15:48:00.000-08:00

Born 1973, in Thessaloniki (Greece) Lives and works in Athens and Thessaloniki. School of Fine Arts, Aristotle University of Thessaloniki

A bird is animal that communicates the sky with the Earth, he build his home hides in the trees. But if the home is created artificially for the men, the bird is losing his pride self freedom, his magical power of creation and grows up without control. Now, for to stops them, Babis keep them in a jail.

The birds don’t belong to defined specie; otherwise they are just television enclose, anonymous. The television, the idea of image’s modernization, is now contained like an animal. If the situation animal-mechanical interchange, in the same layer it that we can not eat becomes in some specie of visual-technological consume. The jails do not belong to little birds but wild animals that, for this thick rod, we can not let free. They could eat some child and we should sacrifice them as happens in a zoological zone. These wild animals feeds from the spectator, who in an anthropophagical situation eat it self with them.

So what means to fly for the television? Be free of his heavy loading of be consider just as entertainment? No, the freedom is for the men that are stick to the television: if they have no time for to go out, make casual dates, fell in love, so we hide them the television, may be we force them to go out worried looking for the screen. In these sense the artist’s work change the concept of public-private space. He carries out to the public space those things that keep us hide and put it in a panoramic view. When we watch the screen, we just use a few grade of our visual capacity, and in this way, with the television out, our visual grown: it eliminates the private-technical omnipotence creating a public view. Closing the screens, those who stops to watch the image on the screen, they find a self-portrait body, panoptical, charged with a strange futurism that compress, enclose and let it just a few movements. This bodies surgically mixed, enclose in a form of cube-television, with hurry up and, in the same time, so patience like a custom in some moments and desperate in others one, create in the spectator a impotencies situation. The image in colour, that so far to seems to us a warm texture, hides this desperation that is a test and so we apartheid it.

In this moment the spectator moves away and in the same time looks the chains, remember that if the tree awakes, the televisions will became in medieval mallet in defensive attitude. Do not play whit them because some television will fall over you and makes you die for your child jokes. They are not dream catchers, neither bell: the chains for a butcher shop and the industry that is it self.

For this reason those televisions that are desolated for the computers from the first word, are the modernization hope too in many other places where are carrying as recycled. Thereby in the chain of the development project the countries of the third world use the garbage from the first world. To this televisions magically the artist has frozen-contained and be impossible go ahead with this specimens and feel a personal satisfaction front the problems that overflow us. We cannot trust just in the technological development of the society because it may be becoming us in some strange kind of monster.

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Luis Alberto Mejia Clavijo

AILBHE NI BHRIAIN

2008-11-15T15:49:00.000-08:00

Born 1978. Lives and works in Cork (Ireland) and London (UK)

Perimeter, 2007. C-print. 59,5 x 46 cm. Courtesy Domobaal Gallery[i]

Have you seen a photo and have you move it looking for the right position? If you zoom in and try to find something in it that show you the way, you will get confuse. If you feel so lose it is because the great treatment of the images carries us to an unknown place. The panoptic vision comes to us through four or more photos overstated in a cube, an orthogonal room that in a terrifying way we should name it Bedroom. It is dark one but with the pass of the time we are going clearing the objects as happens to us recent we get in to a dark space. Our eyes are preparing for the light, and the objects are appearing one behind other with his magical not connections, just the technical edition of the image: Each element is clear just by it self. A shadow is a strange reflect, shadow-mirror, spectrum, screen ready to show us what happened with the absent. A bed is not a bed because is naked, without the warm elements and rest over the roof. Nobody can rest in it and you can’t resolve the conflict just saying “is inverted” because soon you note that a bed never stays right in this position of the room and, also, this room belongs to a corridor of beds. Someone cut the corridor and put the bed in the middle conferring an unsupportable symmetry far of the classic parameters: scarring us.

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The countryside death trees in the front that don’t give a smile to anybody, don’t give us peace and neither are not fun as Christmas trees: The trees are really trees-roots in winter, without leaves, without flowers; as you can see in a paint of Caspar Friedrich in the Germany romanticism. And the sky behind it’s a sad and tragically Mark Rothko painting in the last part of his work. But the effect of painting is increased in each element of this room, as the floor tile and the walls, changing from a personal experience to a collective situation of desperation. It may be an orphan in perpetual situation of nightmare. Who just can see in two colors, don’t belong to our specie. The light comes to us from nowhere, some of it in the floor and some in the roof as if a strange ghost moves, passing beside us, may be caring us to him with each sight. Why this strange intension to take out our selves through those who are desolate? A sunset in the floor let us without a little hope and announce us that the night is coming.

Luis Alberto Mejia Clavijo

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[i] NO BORDERS JUST N(orth)E(ast)W(est)S(outh): 2008 BELGIUM – GRECCE – SPAIN 2009 (Februaries). “From art school to professional practice”E-mail: eeya@free.fr

PEDRO MEYER: Herejías en el MAMM

2008-11-11T21:41:00.000-08:00

¿Te has preguntado cómo realizar un tratamiento artístico al tema de los inmigrantes? Pues una buena fotografía tal vez sea un punto de partida. Existe un punto centrípeto, de perspectiva, creada por la calle y sus edificios, al que todos se dirigen. La perspectiva es un efecto visual inventado por los hombres, para mostrar las imágenes desde un punto fijo, en un momento determinado. A partir del arte moderno, se redescubrió la admiración por un mundo sin una singularidad tal, con múltiples vistas en una sola imagen. Por tal motivo Pedro Meyer introduce nuestro personaje no ocultando el punto de perspectiva, sino comparándolo al lado. El gran tamaño nos planea la pregunta del valor ¿cientos de autómatas o un crítico? Nuestro personaje no marcha hacia este lugar, sino que por el contrario está detenido en el tiempo, no hace parte del flujo, observa sin sobresalto la cámara. Al contrario que los marchantes que reaccionan con euforia ante una grabación, y creo que muchos tienen por objetivo esto, sonríen y agitan sus banderas y pancartas frente a las cámaras de grabación que cubren el evento, nuestro personaje observa casi impávido la cámara furtiva, trasera, sin ninguna gloria posterior.

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No sabemos si sonríe, pues su máscara puede crear todas las formas. Ahora es definitivamente un joven, está en la edad de no temerle a nada. Con el tiempo uno ya no sale a la calle ni tiene esos gestos, pero no deja de admirarse un poco cuando alguien sale en las marchas y tiene alguna idea chévere. ¿Porqué las banderas tienen que moverse con el viento para significar la presencia de los dioses y su espíritu protector? En cambio esta bandera no se ondula y se encuentra amarrada al hombre que se detiene un momento. No está hecha para el culto masivo sino que es un objeto para el “oculto” personal. Es una y no son miles, es decir, que está puesta intencionalmente en el lugar equivocado. Así como existen algunos inmigrantes latinos que cantan en español el himno nacional de los Estados Unidos, entonces hay otros que están pensando en otra cosa. Su voz no se mueve a la velocidad de un coro, es como un sátiro, cuando sale de la orquesta griega y comienza su poema lírico; está solo, es individuo. Su boca no es visible, así que su voz puede ser un poco distorsionada o tal vez no tiene voz, solo observa y escucha. Ante todo observa, es un águila que se aferra al abismo y no se cae, espera el buen momento, la oportunidad, el gesto.

Luis Alberto Mejia Clavijo

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Nota: Para publicar esta foto tuve que solicitar un acceso a la base de datos oficial de Pedro Meyer con un tiempo restringido. Nunca había contado con una organización tan disciplinada y coherente con su material, esta clase de formalismos, lejos de ser burocracia, son el reconocimiento a la responsabilidad y el trabajo del artista y los consultores de dicho archivo fotográfico. Espero mientras dura la exposición que puedan disfrutar de sus fotografías, pues la selección es muy buena de este amante de la fotografía que registra todo lo que observa, y parece que no borrara nada, a pesar de todos sus clics, todo lo conserva importante, como sospechando del valor que podría tener para futuras investigaciones.

COLECTIVO NIDO

2008-10-23T09:03:00.000-07:00

CONCURSO ESCULTÓRICO ALAMEDA SOL DE ORIENTE

Tras la premiación el 17 de octubre del concurso escultórico Alameda Sol de Oriente y la exposición de las maquetas ganadoras que se encuentran en este momento en el centro cultural de Cali, tenemos algunas cosas que decir:

El colectivo Nido viene pensando la ciudad con propuestas como las que observamos hace poco en el Centro Cultural Comfandi, cargadas de elementos orgánicos, y propios de la arquitectura postmoderna en la cual no existen ya superficies con perspectivas únicas ni se pueden predecir sus dimensiones con una sola mirada. Su obra “el hijo del sol” tiene claridad sobre el carácter transitable de la obra: No solamente corporal sino visualmente. Responde a una idea de eternidad propia de los grupos indígenas aborígenes, cargando la abstracción de elementos vivos y visibles al público. Es contraria a otras obras seleccionadas en las cuales el transeúnte puede estar oculto, como en “Laberinto”, o “Lejanías”, creando un espacio propicio para la violación, el robo, el consumo de sustancias psicoactivas o el emplazamiento de los habitantes de la calle. La abstracción es un elemento importante, sin embargo desarrollada de manera muy diversa por las propuestas ganadoras. De esta manera Ronny Vayda presentó “Arcosanti” un trabajo contrario a las bases del concurso al no manifestar ninguna relación directa con la ciudad. El estilo de escultura muy cercana al mínimal tuvo mucha importancia en los sesentas para introducir al país en la modernidad de las artes pero no ya para este momento. Este “Arcosanti” ¿acaso no es la misma idea del arco de Corferias o el arco que se encuentra en la entrada de Compensar de la 68, ambos en Bogotá? ¿O no se repiten en las múltiples esculturas mínimal que vemos en Medellín del mismo Ronny junto con las de Alberto Uribe y John Castles? Y está bien, tenemos que reconocerlo, esta ciudad no tiene esculturas abstractas pero esto no quiere decir que tenemos que importar un trabajo de país sino crear uno de ciudad.

Si aquí no existen obras de arte abstracto, el error es más profundo en el concurso se debe al hacer ganar a los Tejada con ese manglar con pajaritos llamado “Martín pescador”, definitivamente el retroceso a la mala figuración caleña, literal, que no deja nada que pensar y no cuestiona la técnica escultórica. Sin embargo una actitud diferente frente a la figuración se contempla en la obra “Marcando el paso”, al simplificar las siluetas en figuras geométricas. Para completar las figuras se necesita agregarle una alcaldía realice eventos públicos a su lado y se convierta en lugar de encuentro. Casi se puede uno imaginar las presentaciones los niños de escuelas de baile en este sitio, como si fuera un ritual, un culto.

El elemento de la interacción con el público fue el más difícil pues suponía de las propuestas soluciones novedosas que no cayeran en parques temáticos como Maloka o los museos de ciencia y juegos. La mayoría lo resolvió creando “miradores” aunque un mejor desarrollo de las propuestas sobre ecos, sonidos y bicicletas podrían tener acogida de las esculturas en ámbitos nacionales e internacionales.

Por último, aunque, por las propuestas presentadas no se cumplió el objetivo de crear un concepto de interacción con el público novedoso, cabe subrayar que los concursos como este son una excelente iniciativa al permitir realizar un estado del arte de la producción local. El siguiente debería ser sobre arquitectura reconstructiva, para cambiarle la cara a la ciudad, pues cambiando esta, cambian sus habitantes.

Luis Alberto Mejia Clavijo

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Imagenes: Colectivo Nido. El hijo Del Sol (plano) y Marcando el paso (maqueta). 2008.

ESTEBAN PASTORINO

2008-10-19T13:00:00.000-07:00

Shanghai ciudad vieja n°1 2007 (5X 159 cm) Detalle-fragmento

Museo de Arte Moderno de Medellín, el 28 de mayo del 2008

Si una foto, son como cuatro fotos que se toman en medio de un cruce de calles, de manera consecutiva hacia los cuatro puntos cardinales y esto se repite cuatro veces, entonces lo que se registra no es ya un instante sino que es literalmente el registro del tiempo, el video en su forma original. Esta situación se transforma no ya en un lugar estático descrito sino en una ciudad líquida. Las personas, que se repiten en el tiempo se transforman en actitudes. Las personas observan la cámara que nos remite a la acción performativa. Aunque los diversos rostros continúan protagónicos, de ellos emergen pocos gestos de sonrisa. La luz sobre la cual se proyecta la foto también es importante: si el espectador pretender acercarse a un detalle de la foto, la luz hace que los ojos se cansen rápidamente con su intensidad y así simplemente tiene que devolverse. El no poder estudiar el detalle manifiesta la intensión del autor de que “no debes buscar el detalle sino el tiempo” por tal motivo los vistazos deben realizarse rápidos sobre un protagonista y seguir su trashumancia en la cinta para comprender el efecto del tiempo, para descubrirlo.

Los lugares son un perfecto marco de fondo. El agrandamiento de cada esquina en la perspectiva se transforma en este caso el movimiento de las olas, que no se detienen, sobre las cuales la materia orgánica pasa. La persistencia del tiempo lo cambia todo y la historia de vitalidad se complementa con el aumento de gentes expectantes. Tal vez por esta razón el autor comienza con unas “ruinas blancas sobre cielo blanco”, a la manera de suprematismo, en la cual todo parece verse agudizado y ampliado y no importa la sustancia, ni si hay protagonista definido. Así el registro finaliza con el gentío expectante que indiferenciado contempla la cámara.

Si Etienne Jules Marey seguía la descripción de un solo objeto, por lo general blanco, sobre ningún fondo, un espacio negro, para estudiar su movimiento individualmente, Esteban carga el registro con la acción, el contexto, la variabilidad de los protagonistas, con la vida postmoderna de la ciudad. El tiempo existe, es este que se inscribe en un rollo continuo y que nuestro desarrollo técnico va persiguiendo, por eso la importancia de esta cámara, como manifiesto de perseguir el registro del tiempo para recordarlo como imagen, poder contemplar los momentos al mismo tiempo y no para ocultarlos uno detrás del otro como en el video. Por eso tu trabajo también se relaciona con el de Hiroshi Sugimoto, quien al tomar una fotografía de la pantalla en un teatro, pero con una toma que tiene la misma duración de la película, la resultante es una pantalla blanca que aunque contiene toda la película, la presenta toda al mismo tiempo, y es una luz tan fuerte que es realmente como si no hubiésemos visto nada. El trabajo de esteban exalta los segundo de registro y permite observarlos todos al tiempo, es como el poder de engañar la fatalidad del olvido que nos deja solamente, de toda una experiencia una o dos imágenes de recuerdo.

Luis Alberto Mejia Clavijo

A MORIR: MIGUEL ANGEL RIOS

2008-10-18T23:11:00.000-07:00

Miguel Ángel Ríos

Se presenta por estas fechas una videoinstalación en el museo de la Universidad Nacional. El juego de trompo de los niños está cargado de efusividad por que se presentan los movimientos voluntarios del jugador de turno siempre marcados con su colorido festivo. Pero si esta imagen se truca en otro espacio, color y en número de trompos, entonces ya no es un juego. Los trompos pintados de negro se camuflan, son anónimos, están escondidos, uniformados. Son lanzados sin el divertimento de verlos hacer piruetas individualmente por el espacio porque se ven opacados por el número de trompos que parecen eliminar de nuestros ojos la duración de su situación erguida y solo nos deja la idea de los que están cayendo constantemente, los que están chocando. Son intencionalmente marchitos debido a que su movimiento es diferente al baile, por que nadie hace con ellos piruetas. La diferencia de sus tamaños no significa al final nada si los movimientos y los códigos de conducta son los mismos.

El sonido incidental de tráfico de ciudad y de los propios trompos girando sobre sí mismos nos salva de la sensación de creer que aquello que contemplamos es exclusivamente bélico, sino que es algo propio a los habitantes de la urbe. Las tomas desde el suelo nos ubican en el mismo nivel que ellos, se ve cómo los lanzan y también cómo, al detenerse algunos, los recogen con una especie de rastrillo gigante frío, indiscriminado. No existe mano, aquella que ayudó a transformar al mono en hombre, sino un rastrillo que los retira bruscamente, como sucede con el mundo del amarillismo y el espectáculo. Sin embargo antes de que se convierta en predecible el destino de los trompos sobrevivientes ante nuestro ojos, los trompos son nuevamente lanzados colectivamente ante nuestra vista, pero realmente ya son otros.

Cuando el espectador está a punto de retirarse después de un momento por que intuye el carácter infinito de la situación entonces “asciende” y sobre una vista panorámica en una de las tres pantallas (la imagen que acompaña este artículo es un detalle de esto), se revela la visión gerencial, desde el edificio burocrático de la anterior situación. Sobre una ortogonal romana, con una luz dirigida hacia el centro, “otro” espectador contempla el final del último trompo girando en una pausa extraña, aunque cargada de energía. Estoy seguro que apuesta, con sus colegas, a acertar el destino del último trompo. ¿Por qué dejó para el final esta sensación de estar contemplando a otros y no a los nuestros? Así como la inutilidad de la guerra, el video podría estar grabado de manera cíclica y nunca terminar, sin embargo, el juego de planos generales es una invitación a ir completándolos mentalmente, a irlos descubriendo en el museo, en la universidad y el Estado en general.

Luis Alberto Mejia Clavijo

EL PERRO GOZQUE

2008-09-28T12:20:00.000-07:00

¿Por qué la presencia tan recurrente en el arte contemporáneo de la imagen del perro callejero solitario? Tal vez la respuesta radica en la mirada y su presencia cuando no está en jauría.

Un perro solitario no pertenece a una jauría, situación en la cual un cierto orgullo y una rabia potencial los cobija de manera colectiva. Por el contrario anda cabizbajo, y ocasionalmente se ubica al lado de las personas que comen. Entonces levanta una mirada triste que las personas evitan: ¡por eso Sara tuvo que dibujarlo tan grande! El tamaño es fundamental por que sí fuese más pequeño no podría el hombre caber dentro de su silueta. El hombre promedio cabe por una puerta hecha con el diámetro de la silueta del perro: había que hacerlo enorme para que los hombres se vieran a sí mismos.

La técnica es el bolígrafo, este mismo que se utilizaba para escribir cuando existían los cuadernos de notas y no este mundo digital, entonces invita a un deseo de permanencia, detención en el tiempo, en los recursos técnicos y materiales antes usados: en los soportes nemotécnicos como los conoce Regis Debray. Las vueltas y vueltas con el bolígrafo, como el ejercicio para soltar la mano de los estudiantes de artes aquí tiene un fin en sí mismo. El dar círculos también es una fase del dibujo en los niños, pues estos encuentran integrados el mundo y los objetos y ellos mismos, en un todo indivisible. Es decir es un estado en el cual no existe aún el “yo”, la voluntad, entonces cuando se ve todo al mismo tiempo, no se ve nada. Y como lo que aquí se quiere es mostrar entonces lo que sucede ante nuestros ojos es un desarrollo ontogenético instantáneo, por eso la obra se observa desde lo lejos, a pocos centímetros y después desde lo lejos nuevamente, pero esta segunda vista ya ha cambiado.

El hocico oscuro es el énfasis de la autora: la nariz y la boca que son en el perro tan representativos de su grandeza de especie, aquí se esconden hacia el suelo como si no garantizaran nada por si mismos. En la canción de La Pornomotora “el perro gozque” se evidencia al cemento de la calle como un amigo de momento, frío y ambiguo, tal vez como trampa. Un perro que pasa hambruna, al que se le observan las costillas, es un perro abandonado pues alcanza a entreverse el collar que un día alguien le puso. Extrañamente en el caso de perro el dueño es quién configura su personalidad, sus hábitos, pero si es ahora callejero, no deja menos que significar el deseo de retorno al espacio privado, tranquilo, de tener garantizadas las necesidades básicas y no la incertidumbre de las calles.

Las piernas no se ven completas todas pues el perro definitivamente tiene un soporte fuera del cuadro y no se encuentra en el aire. La realidad sobre la que se encuentra es el salón o lugar de exposición hacia el que mira. Por eso se encuentra mutilado o atrapado obligando al espectador a completar mentalmente la imagen. Lo mismo sucede con el color blanco que es el color tradicional de las salas de museo y exposiciones, pues al reflejar todos los colores, la luz permite la neutralidad para apreciar la obra a color. Por eso el cuadro realmente está situado en el museo, la galería y e hospital mismo. ¿Por qué en estos lugares y no en una calle donde es habitual encontrarle? Es porque el pero está siendo sometido a inspección como en un médico. Por que a pesar de su situación desafortunada, existe en los otros el deseo de observarle, para encontrar la forma de que no existan más. El deseo de salvarle viene de la pulsión, de la proyección de nuestro estado de miseria, del deseo de cambiar nosotros mismos y salvarnos.

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2 Obra “Perra vida” de Sara Herrera Fontan, Artista plástica de la UdeA, con esta obra obtuvo el Segundo puesto XI Salón Especializado de Artes Visuales Universidad de Antioquia. Imagen tomada del periódico EL COLOMBIANO por Jaime Peréz.

UN CUADRO ABSTRACTO NO ES UN DECORADO

2008-08-15T20:36:00.000-07:00

Germán Bojorquez, sin título 2008. Cosmocentro jueves 3 de julio del 2008

¿Alguna vez habías visto una apropiación de Mondrian para el clima tropical? Bueno, porque el rojo se confunde con todos los colores cálidos. En el trópico todos los colores se manifiestan al mismo tiempo. No se dan por estaciones, se ven nacer y marchitar las flores en un mismo lugar. La cuadrícula no es tan marcada pues no existe un estado fortalecido, ni existe una ciudad limpia. Nuestras ciudades son hijas del desorden y la falta de planeación, como podría interpretarse desde una vista superior, un mapa en el caso de un cuadro de Mondrian: nosotros vivimos aún una economía de polvo, mal trecha, nublosa. No sabemos con certeza lo que se encuentra detrás del humo, la neblina, la respiración, una nube de polvo, coca, tiza barata de esa que enfermó a los profesores del país por tantos años. Esta neblina aleja, diferencia, cambia. Es una cuadrícula como una reja de cárcel, que se encuentra adherida a un cuerpo y ya no se puede distinguir. Es la costumbre que nos hemos auto-impuesto, de tolerar la violencia, así provenga de nosotros mismos, así nosotros mismos la suframos laboralmente, de manera silenciosa, acallada por los grandes “éxitos militares”.

¿Y qué pasa si uno voltea el cuadro? Pues observa tres cruces como aquellas de Jesucristo. Se convierte en un misterio la cruz de la derecha, como sobrecogida por esta neblina especial, más lejana. ¿Cuál de los ladrones murió hacia el lado derecho, el que le creyó a Jesús o el que le negó el ser hijo de Dios? Al fin y al cabo las cruces parecen incendiadas, parecen casi volando, acercándose peligrosamente hacia nosotros. Las cuadriculas son también campos de cultivo, con total ausencia del verde, pues es una tierra del monocultivo cruel: en la época de la violencia se apropiaron de nuestras tierras asesinando y desplazando a los pequeños campesinos, propietarios de granjas, para pintar todo con el color de la caña. Situación que se ha acrecentado, ya que aquella tierra debajo del verde postizo de la caña, es un desierto: amarillo, rojo de sangre y negro por la ceniza. Está cultivada no para alimentar a nuestros niños pobres sino, sembrada para crear bio-combustible para los carros de los ricos en otras ciudades del mundo. ¿Y el color blanco que? Pues es el color fundamental del paño de ignorancia con el que se “entretiene” a nuestros compatriotas a través de los canales privados de televisión, que consumen de manera compulsiva pues les encanta NO aparecer en los programas, para reforzar su pesimismo y conformismo de “no aparezco en el programa entonces, no soy nadie, no existo”.

Por último quiero decirle que compre el cuadro, vale 350,000 pesos.

Luis Alberto Mejia Clavijo

VERÓNICA MEJIA

2008-07-08T21:08:00.000-07:00

Un gato, desplazado, multifacético, paralizado por la no pertenencia al paisaje en el que se encuentra. Mejor, solo un rostro, un rostro blanco aplastado sobre un paisaje imposible y oscuro. De manera más precisa: no hay rostro, es realmente círculos, triangulo y línea en una economía bien lograda sobre un paisaje frío de colores azules y verdes. Es una noche con una iluminación propia de los objetos y no un reflejo: un recuerdo en agua, un sueño. Una chica, que recuerda a la chica que corre hacia el abismo de la perspectiva en De Chirico (misterio y melancolía de una calle), pero en este caso se dirige hacia el rostro sin tiempo, aplastado en el rincón del cuadro, es de todos modos la idea de escape, de salir de paisaje. Es raro que la palabra paisaje remonte siempre a ambientes cálidos, románticos, por eso prefiramos llamarla un exterior.

Me gustaría que Lucía no fuera el destinatario de la pintura en acrílico, pienso en cambio en que es un regalo para las infancias. Me llamó la atención contemplar en la biblioteca departamental de Cali, en su sección infantil, un cuadro sobre un niño leyendo. Solo del libro desprende la luz de la habitación y alrededor del niño, leyendo junto a el, los monstruos atentos. En ambos cuadros los colores fríos predominaban y ambos, describen el camino de la infancia partiendo del misterio oscuro, interesante y no de la iluminación del todo explícita común a las caricaturas de la televisión. Un cuadro feliz, en el cual caer al hueco es una tentación. No eres Alicia, eres lucía y ya estás en las maravillas, ahora corres para salir, y está bien hacerlo un día como hoy, una noche como estas en las que permanecemos, una noche perpetua. ¿Qué debería significar para nosotros el país de las maravillas?

VIVIAN MONSALVE

2008-07-05T10:17:00.000-07:00

Terminé escribiendo sobre una puerta en la entrada a la sala de exposición

Luis Alberto Mejia Clavijo

Hermosas cornamentas 2004

Un bachelor degree of fine arts es un licenciado en artes plásticas, nada más y nada menos. Ni hablar del título de la exposición. Ni nombres propios. De veinte cuadros en la casa Proartes en inicios de febrero, solo uno sobrevivió a la indiferencia. Por su tipo de humor más allá del ABC de todos los otros cuadros, que nos hacen quedar tan de mal gusto: “somos lo mejor de la invasión”.
El cuadro, en forma simétrica, es una colina verde limón con forma empinada que deja solo un sexto (1/6) para el cielo azul, uniforme, sin nubes, ni estrellas. La montaña está llena de casas ubicadas de forma paralela y diagonal al cuadro, aunque todas están separadas entre sí dejando un espacio verde entre estas. Resalta la casa que se encuentra en el centro, el punto de equilibrio estructural del cuadro: es la única casa que cuenta con puerta. La puerta tal vez nos informa que es a través de esta que podemos escuchar lo que dicen dentro, o mejor, lo que la casa dice, como si fuera la única con boca. Otro aspecto importante se ubica en la forma de cuadrado simple de todas las casas, que manifiesta la simpleza de su estructura, mientras que la central es decididamente rectangular. El tamaño también es considerablemente mayor de esta casa. Está pintada de blanco como punto culmen de iluminación. Esta idea se refuerza cuando observamos que el azul y el verde se oscurecen en los rincones del cuadro. El techo parece como un rosado más fuerte que el de los otros techos, casi rojo debido al contraste con el blanco. El título de la obra: “somos lo mejor de la invasión”, parece provenir efectivamente de una frase orgullosa, al interior de esta casa: “somos lo mejor de la invasión”. Una casa maldita, la menos mala, entre lo más malo. Una casa robada al espacio y una familia, que se revela en el plural, de gente que solo mira hacia abajo. Es una crítica radical al conformismo que manifiestan las sociedades como la nuestra en la cual todo se justifica por que hay cosas peores. Nos cuesta trabajo reconocer nuestras falencias porque siempre las tenemos y entonces estas implicarían mucho esfuerzo de nuestra parte y es más fácil ver la novela, una risa pequeña de turno, un chisme.

“Es el mejor cuadro de la exposición”, “es la mejor exposición de su vida”, la ironía no termina. El conformismo es entonces una advertencia. Existimos en el contexto fácil que nos proporciona entretenimiento, nos regocijamos en la miseria. La advertencia es un reto: No hay de qué reír, nunca más sub arte para países estancados por eso mismo.

Me gustaría que estuvieran junto a este cuadro los trabajos de ¿cuál es tu nivel de consciencia? 2004 o modelo del año 1988, pero seguramente, la imagen que escogí ilustrará el artículo.

Por eso tengo mejor que notar que quien hizo las antiguas puertas de la casa proartes aplicó mucho detalle al sobreponer bordes de marco y viñetas. Con el paso del tiempo, las puertas se deterioraron y las cambiaron. Un artista se fijó en la elegancia y el detalle de las puertas, entonces las colocó como un cuadro, suspendidas en la pared de las escaleras que conducen al segundo piso. Vine a contemplar una exposición, ante su ausencia, terminé escribiendo sobre unas puertas en la entrada a la sala de exposición.

Jueves 31 de enero 2008.

“TENGA RAYO”

2008-07-01T22:12:00.000-07:00

Me acerco al museo la tertulia expectante por escribir el artículo que nos confiere el oficio. Intencionalmente dejo para los domingos la idea de sorprenderme con lo que observaré. Me recibe como siempre el Negret afuera de la cinemateca: rojo, abstracto, firme, fuertemente dirigido hacia el cielo que me confiere un sentimiento de esperanza. Me acerco, traspaso el umbral y entonces, me encuentro con RAYO.

Ya había contemplado en la semana, la exposición de retratos en “maderismo”, que se encuentra en muestra de la biblioteca departamental. Esta exposición estaba muy ligada al oficio de dibujante para periódicos y revistas en sus primeros años, buscando técnicas como todos los contemporáneos. Estamos entonces en el mes “Rayo” para el departamento por sus ochenta años. Por supuesto las observaciones de rigor para nuevos lectores: la técnica de Omar Rayo de cintas dobladas en acrílico sobre papel, está basada en la iluminación. La iluminación produce la sensación de distancia, entre más claro, más cerca está, entre más oscuro, se está alejando el objeto. La iluminación se emplea solamente en los rojos y los blancos, no en los negros, que sin embargo conservan la ilusión de dimensión. ¿Por qué no vemos un corte arbitrario en los negros sino por el contrario también vemos una cinta? Se resalta más esta inquietud en alguna de sus pinturas en las cuales sucede lo mismo con el blanco. En estas circunstancias, toda la obra pierde su magia de fósil. Pues el blanco continuo pareciera estar pegado en un primer plano del espectador y en el momento en que inicia su “iluminación” o alejamiento, parece que aquello que sigue perteneciera a otra pintura. Por tal motivo se pierde el sentido de la unidad, aunque cabe resaltar que este efecto es muy propicio para el volante que se entrega en la entrada del museo. Volvemos a la inquietud anterior ¿por qué no sucede lo mismo con el negro? La respuesta es común en nuestra experiencia: el negro, es el color primigenio, cuando observamos en un lugar familiar, cerrado, totalmente oscuro en una noche, percibimos todos los objetos, solo que sin distancia, ni bordes, están fundidos en un todo perceptual, pero están, tienen todas los tamaños posibles y todos los colores posibles. Estas cintas por supuesto provienen de las vasijas de barro y las pinturas abstractas de cuerpo que realizaban los indígenas americanos. Aún podemos contemplar esta muestra en el museo del oro referente a la cultura Calima. Pero las cintas también son familiares con “los ramos” que hacían nuestros feligreses populares, con la palma de cera del Quindío, para recibir a Cristo el domingo de ramos. Un entretejido sobreponiendo ramas. Estas curvas son entonces concretas no abstractas, marcando un límite figurativo: veo una cinta, que se desdobla sobre un fondo parecido. Veo una cinta que da vueltas, sin arrugas, estilizando el espacio. Este efecto de vueltas infinitas, también se pierde por el color continuo del blanco y el rojo, lo cual detiene el objeto haciéndolo un fósil estático y no dinámico como lo pretende la exposición que se titula: Fósil de Fuego.

Solo tres colores se nos muestran con diferente iluminación. Acertada es la escogencia del rojo como transgresor de la bina blanco-negro, pues el rojo es ciertamente el primer color en ser percibido y nombrado por algunas tribus primitivas africanas (que nos sirven, a “los occidentales” para pensar, en un pasado arquetípico semejante y decir que así fue el transcurso de la historia: “así fuimos”). Lo importante es señalar que después del rojo sigue el verde, el color que le está opuesto en la escala de matices. Esta lucha de color tal vez quiera decir nuestra preferencia vital por lo sanguíneo, animado, frente a lo vegetal. Por eso el fósil, no es tan arqueológico como una roca, contiene algo de rojo, de experiencia.

Buscaba un artista colombiano contemporáneo híper/ultra/neo/post (título con el cual se editó un libro biográfico de Miguel Ángel Rojas, por ejemplo) experimental y me encuentro a Rayo. Rayo, muy bien, rayo, como un rayo que cae cuando se encuentran dos nubes cargadas de electricidad y se descargan con furia contra la tierra. Puedo hacer esta asociación libre pues el italiano Gianni Rodari así me lo promueve con la técnica de la piedra en el estanque. Un rayo es una admonición, una advertencia: “recuerda las aves de río” que hizo Omar cerca al Centro administrativo municipal CAM. Miras al cielo, celoso del cóndor, que está sobre el escudo nacional, ave inmortal cargando al sol todos los días en la mitología indígena y eres un inspector de niveles, mides con tus ojos lo que otros hacen. ¡Utiliza entonces las mejores herramientas de medida, no esperes encontrar en otros lo que debes crear, trabaja, este lugar lo precisa!

No recuerdo en qué parte lo leí, pero decía Goethe:
“el que tiene arte y ciencia, tiene religión, El que no tiene ni arte ni ciencia, ¡TENGA RELIGIÓN!”

Cali, casa familiar, lunes 28 de enero del 2008. Se escucha de fondo Emerson, Lake & Palmer. “Tarkus” 1972.

ROMPIENDO UN ESPACIO (1968)

2008-07-01T22:09:00.000-07:00

Esta pintura con la cual se presenta la retrospectiva de la artista brasileña Maria Thereza Negreiros, nos muestra un encuentro en el infortunio, una invitación a la acción, un llamado al hacer, una advertencia.

Evidentemente las manos son diferentes: la persona del lado izquierdo tiene los dedos sucios y profundos, mientras la otra persona al lado derecho, tiene los dedos un poco delicados. Las manos evidentemente crean la idea de que existen dos personas diferentes en esta pintura. La técnica Otra indicación sin lugar a dudas que marca la diferencia radica en, algo cercano al aplastamiento, propio del arte contemporáneo, en la mano de la izquierda y muy romántica en la mano derecha, sobretodo en los dedos corazón y anular. Podríamos decir que son evidentes en la mano de la izquierda los “golpes de mazo que reducen y simplifican los contornos naturales pero sin osar abrogarlos, imponiéndoles los manos tratos con los cuales manifestamos todo el rencor hacia una cosa cualquiera de la cual no logramos liberarnos”1. Además, cave notar que el espacio de “cajón” que tiene la mano del lado derecho es más amplio en nuestra percepción que el del lado izquierdo. La simple ubicación de las manos quizá marque otra indicación con aquello tan de moda ahora de la izquierda y la derecha en este país; pero esta última interpretación seguramente está ligada al momento de quién observa; al final de cuentas las dos manos parecen manos derechas. Pero la grandeza del artista radica no en la diferencia sino en el encuentro: a pesar de la diferencia de cualidades sociales de las manos, y por tanto de los personajes, estas manos están juntas, se encuentran en este instante, en este momento: “adentro” de este cajón, atrapadas: es un encuentro en el infortunio: Intentan juntas abrirlo, intentan juntas salir. Por eso el color rojo, de la sangre, de la advertencia.

Al igual que sucede con la escultura el discóbolo de Mirón, pintar este cuadro un segundo después sería perderlo totalmente. Sería insoportable observar rostros juntos en lugar concreto. La magia radica en el instante de encuentro de fuerzas físicas en la oscuridad, como en una caverna: un segundo para encontrar la luz, que puede contemplar el espectador, quien piensa en sus manos y en el borde, que piensa en salir, también.

Entonces la respuesta a nuestra inquietud inicial: la vida humana radica en el cuerpo humano, en su materia concreta que se desplaza sobre el universo y no solamente en sus ojos o cerebro. La sangre, la carne y el hueso, estimular el mortal cuerpo. Para el observador de arte, quién asiste, fue un acierto, se desplaza físicamente, contempla la pintura, se desplaza ¿qué magia existe en el desplazamiento? Es por los otros sentidos puestos en escena, los olores los sonidos. “la experiencia estética que parte del objeto es viva desde el momento en que la obra se vuelve viviente bajo esa mirada de la experiencia”2. Es por motivar a “los que le observan” para que se asistan, para que busquen y se desplacen. Es porque hay enamoramiento de por medio, porque hay ejemplo para el transeúnte, es porque persiste en nosotros el comentario anecdótico del viaje, es porque hay vida, el arte moviliza, como a este escrito, allí donde no hay movimiento no hay ya nada.

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1: BARILLI, Renato. El arte contemporáneo. Editorial Norma. Bogotá. 1998. Pag. 114.

2: ADORNO, Theodor W. Teoría estética. Orbis. Barcelona. 1983.

DANAE

2008-06-30T09:21:00.000-07:00

Recuerdo que en el colegio nos ponían a leer obligados los libros del mexicano sobre superación personal. En todos los libros, todos los personajes estaban contagiados de múltiples enfermedades sexuales que redundaban en un amarillismo total en el cual el protagonista sufría pero finalizaba airoso, volando. Recuerdo esto ahora que estudio a Klimt y observo la hermosa Danae, que no se encontraba en la portada de su libro, en cambio estaban La virgen y el Beso del mismo autor. ¿Será que se habrá revolcado Gustav en su tumba? Nuestro Artista, el mismo que vendió a Judith en 135 millones de dólares.

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Por supuesto que produce éxtasis, nadie como Gustav había explorado esta sensación. En otros de sus trabajos previos aparece la mujer pero Dánae, seguramente eres diferente de Judith, tu posees el color rojo en el cabello. El color rojo, es el color de la sangre, por eso un homónimo suyo Gustav Holts compondría para Marte, el ritmo forte y percutido en medio de su obra “los planetas” finalizó su composición en 1916. El mismo principio sanguíneo de la guerra se aplica para el éxtasis. Cuando mis estudiantes me preguntan por qué pongo “el día de Marte” al lado de martes en la fecha del tablero, entonces les cuento la historia de Marte, el guerrero, y el óxido de hierro en la atmósfera en el cuarto planeta.
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Que quiere decir el dibujar en un cuadrado, dónde lo más importante ocurre como alargado: es la maestría del artista, quien sabe que la sensación de placer se produce alargada a través del sistema nervioso central.

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Con sus dedos levemente tensionados, como buscando agarrarse de algo para capturar los segundos del clímax, como para hacer perdurar los estos segundos por siempre. No ves a nadie, solo entrecierras los ojos en el mundo del tacto que es todo. La mano izquierda, maldita, desaparece en sus muslos ¿Qué oculta? Estás en el punto de máxima coloración de las mejillas, eres perfecta, por qué te compartes con todo el mundo. Conserva del impresionismo esa fijación en el instante. El color oscuro en la parte izquierda superior y derecha inferior nos transmite la sensación de estar encerrada sutilmente, pero la expresión de ella, y la intensión del cuadro es mostrarnos precisamente que eso no importa. Aquello que está hacia el lado derecho es la seda, sutil y veloz y al lado izquierdo encontramos el perfecto flujo de oro líquido, la fecundación del mayor de todos los dioses. Qué acertada la posición del observador en la pintura: ya no está de lado frente a una vista general casi panorámica, sino que está en un segundo plano, más cerca del contacto del oro con el sexo. En los trabajos anteriores como las cerámicas y los cuadros medievales y modernos, se observaba a nuestra protagonista solo contemplativa, pero ahora participa de acto amoroso, es una actitud evidentemente contemporánea: disfrutar del momento.

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Oh, hermosa Dánae, te salvaste de los cambios de figuración del siglo XX, te has congelado en un segundo para toda la humanidad.

Luissio A.M. Clavijo

Nota: Para hacerse una idea del tratamiento del tema en las pinturas recomiendo la lectura del artículo: LAS REPRESENTACIONES ICONOGRÁFICAS DE DANAE EN LA HISTORIA DEL ARTE OCCIDENTAL. Por el Dr. J. Enrique Peláez Malagón, en la revista Alonso Cano. Nº12 1º Trimestre 2007.

INTRODUCCIÓN

2008-04-13T16:09:00.000-07:00

Salvo los trabajos internacionales, las imagenes de las que hablaré no son las que aparecen en estos artículos, aunque suene como Magritte con su cuadro: esto no es una pipa. No son estos bytes, es decir ceros o unos decodificados mediante un software.

Vi personalmente en algun museo o galeria que siempre se indica estas imágenes, que no se restringen a pintura, sino que abordan la fotografía, las instalaciones, la escultura. Y quiero reconocer, que contemplé la exposición gracias a los subsidios de las entidades territoriales, para la entrada a los museos. La referencia a esta “presencialidad” es fundamental porque en algunos casos también tengo la presentación de la exposición, su volante. Es decir he estado frente ha algo “parecido” tres veces. Sería terrible conocer solo el volante, en el cual por ejemplo en la exposición de Maria Tereza Negreiros: la línea negra atraviesa la mitad de la hoja, quitando el efecto de amplitud espacial a favor de una de las manos. Y el alargamiento del volante traslada la escena de un cajón, casi un cubo abstracto, de un sueño; a un armario, muy cotidiano y costumbrista. Pero sin lugar a dudas fue un total acierto la escogencia de esta imagen y la edición realizada: he aquí que se encuentran los rasgos característicos del trabajo de Negreiros: desde sus Alas De Mariposa (1961) hasta su Selva Amazónica (desde 1972), la unión de su trabajo abstracto casi no figurativo y su preocupación social, concreta. El color rojo de los incendios y el color blanco y negro de los ángeles.

Pero con toda seguridad no escribiría este artículo si hubiera guardado esta imagen digital de 13.379 bytes en mi computador pues imágenes digitales como esta tengo muchas y pocas invitan por sí solas a escribir. El contacto en tiempo presente con la obra, única, delicada, a la cual podría dañar en un acto irracional, fue la que motivó el artículo.

Ahora, la única excepción hasta el momento radica en mi trabajo inicial sobre la obra Danae de -Gustav Klimt, aunque con seguridad después de conocerla personalmente tal vez corrija algunas cosas al respecto. Para las obras internacionales me remito a un análisis más formal, aunque deje a un lado elementos tan importantes como el tamaño y la instalación que supone en la sala de exposición, que hacen parte del contenido de la obra. Por lo pronto las obras son principalmente en las ciudades de Bogotá, Medellín y Cali

Luis Alberto Mejia Clavijo